Revista FV - Fotovídeo Actualidad

Festival SCAN Tarragona 2025

El Festival Internacional de Fotografía SCAN Tarragona presenta en su 12.ª edición una programación para el mes de noviembre centrada en la temática del agua, que se celebrará hasta el 7 de diciembre.
Las actividades, que incluyen exposiciones, proyecciones audiovisuales y presentaciones de publicaciones, buscan reivindicar la fotografía contemporánea como una herramienta de pensamiento y expresión artística. Artistas como Txema Salvans, Santi Donaire, Paula Artés, Ricardo Cases y Mer Hausmann protagonizan una agenda que consolida a Tarragona como un referente de la fotografía en el Mediterráneo.

Reinterpretación de la memoria visual femenina
El sábado 15 de noviembre, la artista Mer Hausmann —véase la edición impresa de FV 301— presentará “Donde empieza la luz”, resultado de la 3.ª Residencia de Creación e Investigación L’Arxiu, en el Centro de Imágenes de Tarragona. El proyecto utiliza inteligencia artificial generativa para reinterpretar los archivos fotográficos históricos de la ciudad, imaginando una nueva memoria visual para las mujeres del siglo XIX. A través de esta técnica, Mer Hausmann transforma las imágenes de archivo en escenarios simbólicos donde las mujeres adquieren protagonismo y ocupan espacios públicos y activos que tradicionalmente les fueron negados.

Exposiciones de fotógrafos contemporáneos
El viernes 21 de noviembre se inaugurará “Perfect Day” de Txema Salvans, una serie que combina ironía y lucidez para retratar los rituales y contradicciones del ocio contemporáneo en la sociedad mediterránea. El jueves 27 de noviembre, Santi Donaire presentará “Hasta que la tierra aguante”, en la Estación KM0 (Estación de autobuses), muestra organizada por Photo Km0. A través de la fotografía documental, Donaire explora las transformaciones ecológicas y humanas del entorno, con una mirada poética sobre la resistencia y fragilidad del territorio. Ese mismo jueves, se inaugurará también “El caudal del río”, de Paula Artés, coproducción con el Centro de Artes Contemporáneas, Mèdol, de Tarragona, que surge de un proyecto de investigación fotográfica sobre la central hidroeléctrica Renace en Guatemala.

SCAN Films y la exploración audiovisual
El festival estrena la línea SCAN Films, del 13 al 30 de noviembre, con una instalación en bucle en la Sala Plana de Mèdol, que presenta piezas de Àlvar Calvet e Irena Visa, con el agua como eje temático. Esta iniciativa busca dar visibilidad al potencial del audiovisual de autor y su vínculo con la fotografía. Además, el miércoles 26 de noviembre, Mèdol acogerá un encuentro con ambos artistas para explorar cuestiones del territorio, identidad y representación. La sesión, que incluirá proyecciones y un coloquio, será grabada para convertirse en el episodio #12 de Òcul, el pódcast del festival.

Presentaciones editoriales y fotolibros
El compromiso del festival con la cultura visual se extiende a las publicaciones. El miércoles 26 de noviembre, en la librería El Soterrani, Santi Donaire presentará el fotolibro “Hasta que la tierra aguante”, editado por PHREE, que complementa su proyecto expositivo. El viernes 28 de noviembre, Ricardo Cases presentará la obra “Catálogo”, en el Museo de Arte Moderno de la Diputación de Tarragona, que reflexiona sobre los límites entre documentación y ficción. Ese mismo día, en la Galería Personal Tarragona, Txema Salvans presentará su libro “Sunday morning”, que retoma su mirada sobre el paisaje social y urbano contemporáneo.

BLOC #3 y la memoria sumergida del Delta
El sábado 30 de noviembre, en el Tinglado 4 – Exposición TARRACO/MNAT, se presentará el tercer número de “BLOC”, la publicación anual de autor del festival. Esta edición está firmada por el artista visual Jonàs Forchini y parte de una investigación fotográfica sobre el impacto de la contaminación, la erosión costera y la planificación territorial en el litoral mediterráneo. Forchini se adentra en la desembocadura del Ebro, en colaboración con el Centro de Arqueología Subacuática de Cataluña.

Para más información: www.scan.cat

Photomuseum de Zarautz celebra con una exposición de fotografía aérea los primeros mil años del nombre Ipuscoa

Con motivo del milenario del nombre Ipuscoa, que fue la primera referencia escrita al territorio que hoy conocemos como Gipuzkoa, el Photomuseum de Zarautz (San Inazio Kalea, 11) presenta, del 4 de octubre al 23 de noviembre de 2025, la exposición “Gipuzkoa desde el aire”, que reúne medio centenar de fotografías aéreas de distintos municipios de la provincia. Las tomas, realizadas en los años cincuenta y que fueron originalmente encargadas como parte del “Plan de Ordenación Urbanística de Guipúzcoa”, provienen del Archivo General de Tolosa. La muestra permite contemplar la transformación urbanística y paisajística de la provincia desde la perspectiva actual.

Características técnicas y conservación
Las copias originales, sobre papel baritado de haluros de plata de gran formato (50 x 60 cm), están encuadernadas en un álbum de 60 x 80 cm. Con el paso del tiempo, la humedad y ciertas condiciones de conservación han provocado alteraciones químicas como oxidación y desplazamiento de las partículas de plata, conocido como ‘foxing’ o efecto espejo, que hace que la luz se refleje sobre las superficies fotográficas deterioradas. Para la exposición se han utilizado impresiones digitales a partir de escaneados de estos archivos, para preservar así la integridad de las imágenes originales.

Recorrido geográfico
La organización de la exposición ha seguido un criterio geográfico, agrupando las vistas aéreas según los ríos y los valles de Gipuzkoa:

• Oria: Beasain, Ordizia, Tolosa, Villabona, Andoain, Lasarte y Orio.
• Urumea: Hernani.
• Urola: Legazpi, Zumarraga, Azkoitia, Azpeitia, Zestoa y Zumaia.
• Bidasoa: Irun y Hondarribia.
• Oiartzun: Oiartzun, Errenteria, Pasaia y Lezo.
• Deba: Eskoriatza, Aretxabaleta, Arrasate, Oñati, Bergara, Soraluze, Eibar, Elgoibar y Deba.

También se incluyen varias tomas de localidades costeras como Getaria y Mutriku, completando un recorrido visual por la historia reciente de Gipuzkoa.

Para más información: https://www.photomuseum.es/

El Centro Nacional de Fotografía acoge las I Jornadas de Fotografía y el XI Encuentro de Historia de la Fotografía

Las I Jornadas del Centro Nacional de Fotografía y el XI Encuentro de Historia de la Fotografía se celebrarán en Soria los días 6 y 7 de noviembre de 2025. Organizados conjuntamente por el Centro Nacional de Fotografía y el Centro de Estudios de Castilla-La Mancha, los actos se presentan con el lema “La imagen que conecta. Fotografía para la cooperación y el diálogo”. Su objetivo principal es promover el conocimiento de la fotografía y crear un espacio para el intercambio y la colaboración entre investigadores, profesionales de instituciones culturales y la comunidad en general.
El encuentro se fundamenta en el legado de diez ediciones previas que han sido cruciales para establecer metodologías en la conservación y gestión del patrimonio fotográfico. El objetivo estratégico es generar un diálogo innovador y transdisciplinario que vincule la fotografía con la cooperación y el desarrollo sostenible, alineándose explícitamente con los principios del Objetivo de Desarrollo Sostenible (ODS) 17.
Los actos tendrá lugar en el Teatro Palacio de la Audiencia (Plaza Mayor, Soria)

Para más información: https://www.cultura.gob.es/cultura/promociondelarte/programasyactividades/i-jornadas-fotografia.html

Madrid Inquieto: una mirada plural a la ciudad a través de la fotografía

La exposición “Madrid Inquieto”, organizada por Cultura Inquieta, ofrece una visión diversa de la capital de España a través de 254 fotografías. La muestra incluye las 14 imágenes ganadoras de un concurso que convocó a fotógrafos de todo el mundo, seleccionadas por votación popular y un jurado especializado. Las obras reflejan la esencia de Madrid desde perspectivas personales y colectivas, captando su energía, contrastes y vida cotidiana. La exposición busca ofrecer una representación contemporánea de la ciudad, invitando a los visitantes a explorar la identidad de la misma a través de la mirada de distintos artistas.

Exposición al aire libre
Madrid Inquieto, expuesta al aire libre, podrá visitarse hasta el 4 de noviembre de 2025, en el Paseo de Coches del Parque de El Retiro de Madrid, durante el horario de apertura de parque (de 6 a 22 horas), si el alcalde de la ciudad no lo cierra por algún motivo.

Para más información: https://culturainquieta.com/

La mujer del siglo XIX se adueña de su imagen, en el Museo del Romanticismo

El Museo Nacional del Romanticismo (calle San Mateo, 13, Madrid) presenta, hasta el 25 de enero de 2026, la exposición “Retratadas. Estudios de mujeres”, la cual propone una relectura de la historia de la fotografía española, basada en la tesis doctoral y posterior libro titulado “Retratadas. Fotografía, género modernidad en el siglo XIX español” —que comentaremos en la edición impresa de FV— de Stéphany Onfray (Caen, Francia, 1990). La muestra desmonta la visión tradicional de la mujer decimonónica como mero objeto pasivo ante la cámara y la reivindica como un agente activo, autora simbólica de su propia imagen. A través del concepto de “autorrepresentación subrogada” —acto en el que mediaba un técnico, pero en el que las mujeres tenían el control simbólico de sus retratos—, la exposición analiza la compleja y simbiótica relación entre las mujeres y la fotografía en el siglo XIX, destacando sus decisivas aportaciones al desarrollo de un medio que, a su vez, las ayudó a desafiar sutilmente las normas de género.

Habitación propia
La exposición sitúa su punto de partida en el estudio fotográfico decimonónico, que era un espacio estratégicamente diseñado con una estética doméstica y codificado en clave femenina, concebido básicamente para disciplinar los cuerpos y encauzar los comportamientos de las mujeres, según los ideales de la burguesía de la época. Este entorno incluía un “cuarto-tocador” para que la mujer se pudiera preparar para la foto, que se convertía, en esencia, en una “habitación propia”, concepto acuñado por Virginia Wolf en su libro del mismo título de 1929. En un acto de resistencia sutil, las mujeres transformaron este escenario de control en un lugar inédito de creación, diversión y experimentación performativa, donde podían negociar los límites de su representación. Fue la popularización de un nuevo formato lo que llevaría estas dinámicas de la intimidad del estudio a la esfera pública: la tarjeta de visita.

Iconografía de lo femenino
La invención de la tarjeta de visita o “carte de visite”, en 1854, supuso una revolución. Este formato económico democratizó el retrato y multiplicó exponencialmente la visibilidad de las mujeres, aunque con un doble filo. Por un lado, la escenificación de roles de género ante la cámara reforzó los arquetipos carcundas asociados a la maternidad, el buen gusto, la moral y la religión, consolidando el ideal del “ángel del hogar”, la mujer como dócil y obsequiosa esposa y madre. Por otro lado, esta misma estrategia resultó paradójicamente liberadora: al simular su exclusión del ámbito sociopolítico mediante estas representaciones, aunque sin romper claramente con el orden establecido, las mujeres lograron conquistar nuevas esferas de intervención pública, tomando conciencia de su cuerpo como herramienta de expresión.

El cuerpo como obra
Con esta autonomía ganada, el acto de retratarse dejó de ser un simple trámite para convertirse en una inversión simbólica y en una refinada estrategia performativa. Las mujeres comenzaron a concebir su propio cuerpo como un “dispositivo expresivo”, una verdadera obra de arte en sí misma. A través de un complejo repertorio de gestos, posturas y atuendos, llegaron a establecer un profundo vínculo de comunicación no verbal con el espectador, que por mor de la fotografía llega hasta nuestros días. La fotografía se convirtió así en una “experiencia total”, donde no solo importaba el instante de la pose, sino también la posterior recepción y contemplación de la imagen, sentando las bases de un concepto más moderno y artístico del medio fotográfico.

Metafotografía
Responsables de la transmisión del capital simbólico de las familias, las mujeres dieron a la fotografía una nueva profundidad, llevando a su transformación y a convertirla en un signo capaz de expresar emociones complejas como la vanidad, el amor, la pérdida y el deseo. La exposición explora las llamadas “manifestaciones metafotográficas”: ritos íntimos como la inserción de retratos en dijes —la pulsera fabricada con cabello humano expuesta da grima—, el posar junto a la efigie de un ser querido o las fotografías “post mortem”, que dotaron al medio de una faceta profundamente afectiva. Al mismo tiempo, las mujeres se reapropiaron del álbum familiar, convirtiéndolo en una especie de laboratorio de experimentación subjetiva donde, por primera vez, se gestaba una memoria colectiva narrada desde una mitología femenina propia.

Hacia la modernidad
El fenómeno de la “tarjetomanía” fue paradójico. La reproductibilidad ilimitada de la tarjeta de visita convirtió el cuerpo femenino en un objeto coleccionable, pero gracias a su bajo coste también introdujo el revolucionario “derecho al error”. La posibilidad de repetir una toma abrió un campo inédito para el ensayo y la experimentación, poniendo las bases de un deseo de emancipación personal y profesional. Con el tiempo, las mujeres utilizaron el retrato para proyectar su identidad ocupacional —como la pintura, por ejemplo—, y ganar reconocimiento.
Esta normalización de la presencia femenina en la esfera pública se extendió a los propios estudios, aunque el reconocimiento oficial tardó en llegar. Hubo mujeres como María Eladia Rubio, copropietaria de un exitoso estudio madrileño, que en los registros oficiales figuraba simplemente como “Esposa de Toledo” —Quintín Toledo, originalmente vidriero—, mientras sus sobrinos varones eran reconocidos como “fotógrafos”. Sin embargo, es precisamente la labor investigadora que sustenta “Retratadas” la que rescata del olvido a pioneras que sí lograron trascender esa invisibilidad. Es el caso de Alejandrina Alba Muñoz (1837-1915), quien, tras el fallecimiento de su esposo, el fotógrafo José Martínez Sánchez (1807-1874), se declaró oficialmente en 1876 “fotógrafa” y “cabeza de familia”, asumiendo la dirección de uno de los estudios más selectos de Madrid y firmando su propia obra como A. Alba.

Para más información: https://www.cultura.gob.es/mromanticismo/inicio.html

Festival de fotógrafas de Barakaldo Baffest 2025

La décima edición del festival de fotografía Baffest se celebrará en la localidad vizcaína de Barakaldo del 16 de octubre al 16 de noviembre de 2025. Este festival celebra la creatividad y el talento femenino en la fotografía. Con exposiciones al aire libre, encuentros y un certamen estatal que premia a nuevas autoras, el festival apuesta por la igualdad entre mujeres y varones, la visibilidad del trabajo de las fotógrafas y la reflexión en torno al arte fotográfico.

No sólo un festival
Baffest nació en 2016 con una clara “vocación feminista y social”. Su objetivo principal siempre ha sido el mismo: dar visibilidad al trabajo de las mujeres fotógrafas para compensar su histórica falta de visibilidad en el mundo del arte.
En esta década se ha vivido una nueva ola de feminismo, pero también su réplica reaccionaria, lo que convierte al festival no sólo en una celebración, sino en un acto combativo. Su lucha se enmarca en un movimiento más amplio que ha visto surgir otros colectivos como FAMA (Fotógrafas Artistas Malagueñas) o #Serlobas, proyecto que pretende ampliar el imaginario en torno a los cuerpos de las mujeres a través de la fotografía, los cuales también impulsan la fotografía hecha por mujeres y buscan ofrecer una nueva mirada. El espíritu del festival se resume en esta declaración de intenciones: “Nos gustaría no sentir la necesidad de tener que celebrar un festival así, pero mientras las fotógrafas no tengan las mismas oportunidades para desarrollar su trabajo que sus compañeros, solo podemos decir: ¡Larga vida a Baffest!”

La ciudad como galería de arte
Una de las señas de identidad de Baffest es su profundo arraigo en la ciudad vizcaína de Barakaldo. El festival no se limita a salas de exposiciones, sino que se expande por calles y espacios públicos para acercar la fotografía a la ciudadanía.
Este año, las exposiciones ocuparán lugares tan emblemáticos de la localidad como el Parque de los Hermanos, el Parque de San Vicente y la Plaza San Vicente. Uno de los proyectos más destacados en este sentido es “Oharkabean” (Inadvertido), coordinado por la fotógrafa Maied Urrutia, para retratar la ciudad. Como explica la propia Urrutia, la conexión con el entorno es a la vez artística y emocional: “Este proyecto busca devolver a Barakaldo una mirada femenina, centrada en su luz y su magia”.

Certamen de fotógrafas
Aunque el Certamen de Fotógrafas es el corazón competitivo del festival, Baffest da prioridad a la creación de lazos y relaciones. La décima edición ha batido su propio récord de participación, con más de 250 candidaturas para nueve plazas finalistas. Se otorgan dos premios de 700 euros cada uno: el Premio Baffest, de ámbito estatal, y el Premio Barakaldo, de ámbito regional y exclusivo para fotógrafas nacidas o residentes en el País Vasco y Navarra.
Más allá de la competición, el festival se concibe como un “punto de encuentro”. Actos como la defensa pública de los proyectos durante el Argazki Eguna (18 de octubre) o una comida popular están diseñados para fomentar la camaradería y tejer una red de apoyo entre las creadoras para crear comunidad.

Un festival consolidado
En sus diez ediciones, Baffest se ha consolidado como un referente y el “único festival dedicado a la fotografía hecha por mujeres a nivel estatal”. Su primera edición contó con el trabajo de Cristina García Rodero y la presencia de Cristina de Middel, hoy directora de la Agencia Magnum.
Además, su jurado ha contado con figuras clave como Miren Pastor, quien no solo ha participado como jurado, sino que también ha sido comisaria de Baffest en varias ediciones. Más allá de los grandes nombres, el certamen ha sido un impulso profesional fundamental para sus ganadoras y para muchas de las decenas de finalistas a lo largo de su historia y, en varios casos, ha sido la primera oportunidad de exponer su trabajo.

Para más información: https://baffest.eus/es/

XXIV Seminario de Fotografía y Periodismo, en Albarracín

Del 18 al 21 de octubre de 2025, la localidad turolense de Albarracín acoge la XXIV edición del Seminario de Fotografía y Periodismo, organizado por la Fundación Santa María y dirigido por los fotoperiodistas Gervasio Sánchez y Sandra Balsells. Con más de tres décadas de trayectoria, el encuentro se ha consolidado como una cita imprescindible para profesionales de la imagen y el periodismo en España.

Creado para promover una fotografía sin etiquetas
Según Antonio Jiménez, director-gerente de la Fundación, el seminario “sigue siendo la actividad más significativa de la institución, capaz de reunir en Albarracín a algunos de los nombres más destacados de la fotografía española”. Durante cuatro días, el programa combinará conferencias, análisis de trabajos, talleres y proyecciones, manteniendo su espíritu de diálogo y reflexión sobre el papel de la fotografía documental y periodística.
Para Gervasio Sánchez, el seminario “nació con el propósito de promover una fotografía sin etiquetas, abierta a todas las especialidades y generaciones”. El fotoperiodista ha destacado además la labor de Sandra Balsells, codirectora del encuentro, “por su esfuerzo en mantener vivo un espacio de encuentro y pensamiento crítico”.

Beca de Fotografía Fujifilm
La edición de este año contará nuevamente con la Beca de Fotografía Fujifilm, que celebra su segunda convocatoria. Con una dotación de 4.000 euros, la beca reconocerá al mejor trabajo presentado durante el seminario.
Eduardo López, director de Imaging y Recording Media de Fujifilm España, subraya que la compañía “se siente orgullosa de apoyar un evento que fomenta la mirada crítica y la narración visual comprometida”, reforzando así su vínculo con la fotografía como medio de memoria y transformación social.

Para más información: https://fundacionsantamariadealbarracin.com/es/

“Robert Capa. ICONS”, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid

La exposición “Robert Capa. ICONS” llega al Círculo de Bellas Artes de Madrid, donde permanecerá hasta el 25 de enero de 2026.
Se trata de la mayor retrospectiva dedicada en nuestro país a Robert Capa, quien hasta la primavera de 1937 participaba en el dúo formado por el húngaro Endre Ernő Friedmann (1913-1954) y la alemana Gerta Pohorylle (1910-1937), tras lo cual, Gerta se transformó en Gerda Taro y Endre exclusivamente en Robert Capa.

Una exposición para ver con los ojos de la historia
El corazón de la muestra, con más de 250 piezas originales, está compuesta por copias de época. Aunque la nota de prensa indica que fueron “reveladas en su momento por el propio Capa”, cualquier lector de la edición impresa de FV sabe que las de la Guerra Civil lo fueron en París por su compatriota Imre Weisz Schwarz (1911-2007), conocido como Chiki Weisz.
Además, se exhiben publicaciones históricas y objetos personales, procedentes principalmente de la Golda Darty Collection —propiedad del grupo inversor Darty, dueño entre otros muchos negocios de Fnac Darty— y de los archivos de la agencia Magnum Photos, que junto con otros fotógrafos fundó el propio Capa en 1947.
“Las fotografías originales de época, incluso con sus imperfecciones, son un testimonio mucho más fiel del trabajo fotoperiodístico. Con ellas, podemos comprender cómo miraba y cómo trabajaba Capa”, explica el comisario de la muestra, el francés de padre español Michel Lefebvre-Peña, periodista de “Le Monde” y especializado en historia contemporánea.
Este viaje al origen se enriquece con la inclusión de objetos personales que acercan al visitante al hombre detrás de la cámara. Contemplar una de sus célebres cámaras Leica, su máquina de escribir o su permiso de conducir permite una aproximación más íntima a su universo y, además, ayuda a conectar su obra con la cotidianeidad de su existencia. Son estos detalles los que transforman la visita en un diálogo directo con la materialidad de la historia y con el hombre que la forjó.

El hombre que inventó a Robert Capa
La trayectoria de Robert Capa se forjó en la época más turbulenta del siglo XX, cuando cubrió cinco de sus conflictos más decisivos: desde la Guerra Civil Española —cuyo 90 aniversario coincide con el fin de esta exposición— hasta la guerra de Indochina, donde perdió la vida en 1954 al pisar una mina (véase la edición impresa de FV 232). A lo largo de todos estos años, legó a la posteridad imágenes emblemáticas, como las del Desembarco de Normandía y, por supuesto, su fotografía más célebre y debatida: “Muerte de un miliciano”.
No obstante, reducir a Robert Capa a la etiqueta de “fotógrafo de guerra” es ignorar una parte fundamental de su genio creativo y de su profunda conexión con la vida. Para comprender la totalidad de su obra, es imprescindible explorar sus otras facetas, incluidas aquellas que muestran a un hombre fascinado por la vitalidad del mundo más allá del conflicto. Con su cámara no sólo captó la tragedia de la guerra, sino también a las grandes personalidades de su tiempo, como Picasso, Hemingway e Ingrid Bergman, entre otros muchos.
Además, Capa fue un pionero en el uso de la fotografía en color —como en su momento publicamos en un extenso artículo en FV—, una técnica con la que comenzó a experimentar a finales de los años treinta y que utilizó con frecuencia en sus reportajes para revistas de prestigio como “Life” o “Holiday”.

Actividades complementarias
El Círculo de Bellas Artes ha organizado un extenso programa de actividades complementarias. El ciclo se inaugura el 2 de octubre con una conferencia del comisario, Michel Lefebvre, y de Andrea Holzherr, Global Cultural Director de Magnum Photos.
El 5 de noviembre, la memoria histórica cobrará un merecido protagonismo con la proyección de la película “Las Cartas Perdidas”, documental ficcionado de 2021, que se centra en la cárcel y el exilio de las mujeres republicanas en la España de posguerra. Esta proyección cinematográfica será seguida por un coloquio con Amparo Climent, directora de la película, y con Jaime Ruiz Reig, presidente de la Plataforma por la Comisión de la Verdad, y la productora Pilar Sancho.
El programa culminará el 12 de noviembre con la conferencia “Memoria en construcción. Miradas desde la imagen”, una conversación entre el fotógrafo Juan Millás (1975), la experta en artes visuales Rocío Bueno y la artista emergente Montaña Gama Vilallonga, quienes analizarán el poder de la fotografía como herramienta para preservar y sanar la memoria.

Para más información: https://www.circulobellasartes.com/