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El Centro Nacional de Fotografía español inicia sus actividades
- Publicado el Viernes, 04 Julio 2025 15:33
El Centro Nacional de Fotografía de España, con sede en la ciudad de Soria, se convierte hoy en el epicentro de la fotografía nacional, con la inauguración de la exposición “La elocuencia de la imagen. Català-Roca en América”. Esta primera exposición, que marca el inicio de las actividades del Centro Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura, se podrá visitar en el Centro Cultural Gaya Nuño (calle Económica, 26, Soria) hasta el 28 de septiembre. La exposición ofrece un recorrido, en gran parte inédito, por la obra en color del prestigioso fotógrafo Francesc Català-Roca (1922-1998), con una mirada específica a la América de los años setenta del pasado siglo.
Recorrido por América
La exposición presenta 225 imágenes, seleccionadas entre los más de 7.000 negativos que Català-Roca realizó durante sus viajes por el continente americano en la década de los años setenta. Estos viajes, que comenzaron en México en 1973 y concluyeron en Ecuador en 1979, formaban parte de un encargo de la Editorial Blume para ilustrar catálogos de arte popular americano. Sin embargo, fiel a su mirada característica, Català-Roca trascendió el objetivo inicial, captando no solo los objetos de producción artesanal, sino también las condiciones y formas de vida de una sociedad tradicional en vías de desaparición.
La fotografía de Català-Roca se distingue por su capacidad de captar el entorno social, político y cultural, prestando atención a los detalles de la cotidianidad. En sus imágenes, los protagonistas son las personas —hombres, mujeres y niños— y su relación con el entorno, a través de sus usos y costumbres. El fotógrafo registró los profundos cambios sociales que experimentaba Latinoamérica en esos años, manifestados en nuevas modas o materiales, como plásticos en lugar de cerámica o telas industriales. Sus imágenes revelan paisajes y habitantes, formas de producción artesanal, mercados, tradiciones y ritos. Aunque no aborda directamente las dictaduras, guerras civiles o problemas de pobreza y vivienda que marcaban muchos de los países que visitó, estas realidades aparecen de forma sutil, como, por ejemplo, en los retratos de personas que transportan sus artesanías con medios precarios, a menudo usando su propio cuerpo. La exposición promete una mirada social y cultural de la América en los años setenta, reflejando la misma capacidad de Català-Roca para revolucionar la fotografía callejera en España.
Además de las fotografías, la muestra incluye documentación relacionada con los viajes del artista, como las cámaras empleadas, listados de fotografías seleccionadas por él mismo, positivos de época y recortes de prensa. También se exponen publicaciones de los catálogos de artesanía popular de Editorial Blume, incluyendo maquetas, planchas de grabados, contratos de edición y los propios catálogos, fruto de la investigación de la documentalista Núria Gil Ros.
El Centro Nacional de Fotografía ya es una realidad
El Centro Nacional de Fotografía, impulsado por el nombramiento de Mónica Carabias como directora del mismo, el pasado mes de enero de 2025, inicia así su ansiada trayectoria.
Aunque esta primera exposición se celebra en el Centro Cultural Gaya Nuño, esta ubicación es temporal mientras avanzan las obras de acondicionamiento de su futura sede permanente en el antiguo edificio del Banco de España de Soria, un proyecto con una inversión de 8,5 millones de euros y cuya finalización está prevista para el segundo semestre del próximo año.
El Centro Nacional de Fotografía no solo albergará exposiciones, sino que también tiene planes ambiciosos para el último trimestre del año, incluyendo la organización de las I Jornadas Fotográficas del Centro Nacional de Fotografía, talleres de formación y otras propuestas.
Asimismo, gestiona una línea de ayudas específicas para el ámbito de la fotografía, convocadas por primera vez este año y dotadas con un millón de euros, destinadas a entidades que desarrollen proyectos de creación o difusión fotográfica.
Con esta ambiciosa inauguración, Soria se posiciona como un referente clave en el panorama fotográfico español.
La exposición “365°”, de Eugenio Recuenco, en Zaragoza
- Publicado el Viernes, 04 Julio 2025 15:32
La exposición “365°”, del fotógrafo Eugenio Recuenco, podrá verse en la Casa de los Morlanes (Plaza de San Carlos 4, Zaragoza), hasta el próximo 17 de agosto de 2025.
Esta ambiciosa propuesta artística —sobre la que publicamos un porfolio en la edición impresa de FV 262—, que invita a los visitantes a sumergirse en un universo visual único, explora con profundidad distintos aspectos de la historia, la cultura y las experiencias humanas.
Una propuesta artística ambiciosa y profunda
La muestra se compone de 136 imágenes, que forman parte del proyecto completo de 365 fotografías, una por cada día del año, que se pudo ver originalmente en el Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada (Madrid), en 2018, y que desde entonces ha recorrido ciudades como Berlín, Shanghái y Taipéi, entre otras.
Lejos de limitarse a representar el paso del tiempo, cada imagen de Recuenco funciona como una escena cerrada con identidad propia, aunque todas están conectadas por un universo estético coherente que combina asombro, ironía, crítica y belleza. Las escenas, ambientadas en un espacio reducido que actúa como un diorama, retratan desde momentos históricos y homenajes al arte y al cine, hasta instantes íntimos del propio autor, poniendo en evidencia lo absurdo de muchas acciones cotidianas y provocando tanto la sonrisa como la reflexión. Las piezas están montadas en cajas de luz, situándose entre la fotografía escenificada, el teatro visual y el ensayo fotográfico.
Las imágenes pueden interpretarse en tres niveles: el primero, puramente estético, fusiona realidad y fantasía; el segundo, más analítico, permite descubrir detalles comunes como un calendario escondido en cada fotografía y referencias culturales; y el tercero revela el discurso del autor, que abarca desde la crítica social hasta el humor autobiográfico.
Eugenio Recuenco: entre la fotografía, el cine y la moda
Eugenio Recuenco (Madrid, 1968) comenzó su trayectoria artística en la pintura de gran formato, antes de volcarse en la fotografía.
Ha colaborado con prestigiosas revistas internacionales, como “Vogue”, “Vanity Fair” o “Madame Figaro”, y ha desarrollado campañas publicitarias para firmas de renombre como Nina Ricci, Yves Saint Laurent, Sony, PlayStation y Naf Naf.
Su obra, que ha sido ampliamente reconocida, ha recibido galardones como el León de Oro en Cannes, el Sol de Bronce en el Festival Iberoamericano de la Comunicación Publicitaria y el Premio Nacional de Fotografía ABC.
Además, fue el encargado del célebre calendario Lavazza, en 2007. Al año siguiente, en 2008, su cortometraje “Esencia de una Seducción” fue premiado tanto en España como en la Semana Internacional de Cine de Ciudad de México.
En la edición impresa de FV 231 (septiembre de 2013) publicaremos un primer porfolio de Recuenco, con fotografías de un proyecto anterior a 365°”.
Para más información: https://www.zaragoza.es/sede/servicio/cultura/evento/297497
La exposición “Retrato editorial en tiempos de SMS”, de Daniel Sánchez Alonso, llega Palencia
- Publicado el Martes, 10 Junio 2025 15:29
La exposición “Retrato editorial en tiempos de SMS”, de Daniel Sánchez Alonso, se podrá visitar en Palencia, del 3 al 30 de junio de 2025, dentro del festival Pallantiaphoto, que celebra su duodécima edición. Previamente, la exposición ha visitado Santander y otros lugares. Además, seguirá recorriendo otros ciudades de España en los próximos meses.
Profundización en la psicología de los personajes
Daniel Sánchez Alonso, fotógrafo madrileño con una amplia trayectoria desde 1993, colaborador de medios como “El País Semanal”, “Rolling Stone”, “Vanity Fair”, “Elle” y “FHM”, presenta su obra en el Museo de Palencia (Plaza del Cordón, 1). Esta muestra reúne una selección de más de 50 retratos editoriales realizados en blanco y negro a destacadas personalidades del espectáculo, el arte, la política y la cultura a lo largo de los últimos treinta años. El título “SMS”, que hace referencia a una época previa a los móviles inteligentes, donde la comunicación y la atención a los medios eran diferentes, busca evocar una sensación de conexión y conversación.
En sus retratos, el fotógrafo profundiza en la psicología de cada personaje, para intentar revelar su verdadera personalidad, más allá de la imagen pública, incluso disponiendo de menos de medio minuto, como cuando fotografió al grupo norteamericano “REM”.
Otras actividades
Además de la exposición, el próximo 13 de junio, a las 19 horas, Daniel Sánchez Alonso dará una charla sobre este trabajo en el Centro cultural Lecrác (avenida de Valladolid, 26), en la que compartirá su visión sobre el papel del retrato editorial en el contexto actual de comunicación cada vez más efímera y acelerada, centrándose en la autenticidad del personaje, la dirección durante la sesión, la estética de la sobriedad y la evolución del lenguaje visual, desde la prensa impresa hasta las plataformas digitales
El 14 de junio realizará un taller con el mismo título que la exposición en el Palacio Provincial de Palencia (calle Burgos, 1), con un grupo de sólo 12 personas, para el que es necesario inscribirse.
Catálogo
Asimismo, el fotógrafo ha promovido la edición de un catálogo, que ahora se halla en preventa y financiación colectiva. Una edición limitada, con más de 70 retratos e información sobre las sesiones donde se hicieron las fotos, de 112 páginas y un formato de 220 x 280 mm.
Para más información: https://dansanphoto.com/
“Espacio disponible”, de Eduardo Nave, en el Centro José Guerrero de Granada
- Publicado el Jueves, 03 Julio 2025 14:03
El Centro José Guerrero (calle Oficios 8, Granada) acogerá, hasta el 12 de octubre de 2025, la exposición “Espacio disponible” del fotógrafo Eduardo Nave, una profunda reflexión visual sobre la decadencia de la publicidad externa impresa en el contexto del auge de las tecnologías digitales.
Una era que se desvanece
Las imágenes de Eduardo Nave documentan la progresiva desaparición de las grandes vallas publicitarias físicas, estructuras que en otros tiempos fueron emblemas de la modernidad industrial y del consumo masivo. Ahora, esas mismas estructuras, vacías, deterioradas y oxidadas, se alzan como ruinas contemporáneas en paisajes áridos, abandonados y deshabitados.
El filósofo francés Gilles Lipovetsky (1964), analista de la sociedad posmoderna, ha escrito un ensayo específico para el catálogo de la muestra, editado por el Centro José Guerrero en colaboración con la editorial francesa Éditions Loco. Según afirma: “lo que Eduardo Nave nos muestra es esa obsolescencia del anuncio tradicional y estático en papel en provecho de las pantallas de comunicación, los móviles, las pantallas gigantes LED, los soportes de exhibición digital y dinámica.” Lipovetsky define la serie como una estética y poética de la desaparición, contraponiéndola al bullicio visual de espacios como Times Square, en centro de la ciudad de Nueva York. En “Espacio disponible”, esta ausencia de publicidad se yergue como el signo de una era que se desvanece.
Eduardo Nave
Eduardo Nave (Valencia, 1976) es una figura consolidada dentro de la fotografía contemporánea española. Cofundador del colectivo NOPHOTO, ha desarrollado una trayectoria centrada en los lugares marcados por la historia y la memoria. Su trabajo se ha visto reconocido con numerosos premios y becas, como Arco y Revelación PhotoEspaña 06, además de otros muchos, como los de la Fundación Marcelino Botín, la Casa de Velázquez, la Colección CAM y FOTOPRES de la Caixa. Su obra ha estado presente en instituciones y ferias internacionales como ARCO, ParisPhoto, PhotoLondon.
Con “Espacio disponible”, Nave añade un nuevo capítulo a su estudio sobre las huellas del tiempo en el paisaje humano. En esta ocasión aborda la dimensión simbólica de la publicidad como vestigio del entusiasmo consumista del siglo XX. La exposición, cuya comisaria es Claude Bussac (1963), se perfila así como una propuesta crítica y poética sobre el presente de la imagen y el porvenir de la comunicación visual.
Para más información: https://centroguerrero.es/
“Adelaida”, de Mercedes Hausmann y Jorge Salgado, en el Museo del Romanticismo
- Publicado el Lunes, 09 Junio 2025 09:07
Dentro de la programación de PHotoEspaña, el Museo del Romanticismo (San Mateo, 13, Madrid) ha programado la interesante exposición “Adelaida”, que vincula fotografías originales del siglo XIX con ilustraciones generadas por inteligencia artificial, especialmente concebida para este espacio expositivo.
Un gran proyecto
Como ya informamos aquí, Mercedes Hausmann, fotógrafa madrileña nacida en 1987, ha reunido alrededor de 600 fotografías familiares como parte de una investigación que comenzó tras una pérdida personal en 2021. Este proyecto, que arrancó como una indagación íntima, ha evolucionado hacia un trabajo académico sobre los orígenes de la fotografía en España, especialmente en Madrid, entre 1860 y principios del siglo XX.
Las imágenes incluyen retratos realizados por renombrados fotógrafos de la época como Jean Laurent, Kaulak o Christian Franzen, así como otros menos conocidos. Hausmann ha llevado a cabo un proceso exhaustivo de digitalización, análisis y contextualización histórica, empleando incluso métodos de investigación casi detectivescos para identificar a los protagonistas de las fotos y a sus autores. Su estudio permite conocer tanto la evolución de la fotografía como la representación visual de la alta sociedad española de aquel tiempo.
Basándose en esta investigación previa, Mercedes Hausmann y Jorge Salgado han establecido un vínculo entre un pasado fotográfico heredado y su recreación en su futuro, que es nuestro presente, con inteligencia artificial. La exposición se completa con piezas de época, como cartas, álbumes de fotos y otros elementos.
Adelaida Martínez-Corera y Grande
Adelaida Martínez-Corera y Grande (1853–1920), tatarabuela de Mercedes Hausmann, es la protagonista de esta exploración visual, que a partir de la IA inventa ilustraciones de una cotidianeidad fantástica, creada por medios artificiales.
Se trata de un pasado que pudo ser y del que no hay testimonio fotográfico, pero la pareja de autores, Mercedes Hausmann y Jorge Salgado, lo han generado, indicándole a la IA lo que sabían sobre Adelaida. Se trataba de una mujer, viuda, pero que gestionaba el patrimonio familiar y cuidaba de sus tres hijos y tres sobrinos huérfanos; además estudió música a nivel casi profesional y era una habilidosa pintora. De esta forma trascendió del papel al que, como mujer, le relegaba la sociedad de la época. Partiendo de esa base, y con un largo trabajo delante de la consola de la IA, los autores de la exposición generaron unas 600 ilustraciones, de las que seleccionaron 48 para la exposición, junto con 17 fotografías originales del siglo XIX. Dicha exposición, junto con las piezas mencionadas, es nuestro vínculo con ese pasado. Un elemento físico que ha sobrevivido al tiempo, y que tocaron otras manos hace muchas décadas.
Para más información: https://www.cultura.gob.es/mromanticismo/inicio.html
“Mirabilia”, de Joan Fontcuberta, y Premios Fundación ENAIRE, en Santander
- Publicado el Martes, 01 Julio 2025 13:13
El pasado 26 de junio se inauguraron en Santander dos exposiciones, una de JoanFontcuberta, titulada “Mirabilia”, y la colectiva XVIIIPremios de Fotografía Fundación ENAIRE, que forman parte de la edición 2025 de PHotoEspaña. Ambas exposiciones, promovidas por la Fundación ENAIRE, se pueden ver en las Naves de Gamazo (Av. de Severiano Ballesteros, 3, Santander), hasta el 18 de enero de 2026.
“Mirabilia”
“Mirabilia”, cuyo comisario es Sema D’Acosta, presenta una gran selección de la obra reciente de Joan Fontcuberta: desde trabajos con inteligencia artificial —como “Génesis.IA” y “DeRerumNatura”— hasta piezas inéditas y emblemáticas obras de su trayectoria de más de cinco décadas. El autor desarrolla un discurso visual sobre la tensión entre realidad y ficción, lo natural y lo artificial, y plantea un cambio de paradigma en el panorama visual contemporáneo.
La exposición incluye la instalación “Cápsula de Arte”, ubicada en el aeropuerto de Santander, para reforzar la conexión entre arte, tecnología aeronáutica y territorio.
Joan Fontcuberta recibió el pasado mes de marzo el Premio Trayectoria 2025 de Fotografía de la Fundación ENAIRE, de quien destacaron: “Su trabajo explora la relación entre la imagen y la ficción, cuestionando la veracidad y la autenticidad de las fotografías. A menudo crea narrativas inventadas a través de imágenes manipuladas, desafiando la percepción del espectador sobre la realidad. Además de su faceta como fotógrafo, Fontcuberta es escritor y ha sido profesor en varias instituciones. Su obra ha sido exhibida en importantes museos y galerías alrededor del mundo. Fue Premio Nacional de Fotografía en 1998 y Premio Nacional de Ensayo en 2011”.
XVIIIPremios de Fotografía ENAIRE
En esta exposición de los últimos Premios de Fotografía Fundación ENAIRE se exhiben las tres obras ganadoras, de Tanit Plana, “Stress position”; Daniel Ochoa de Olza, “La Frontera”; y Françoise Vanneraud, “El eco de las cumbres”—, junto con 15 obras finalistas, entre las que se incluye la mención especial de PHotoEspaña, otorgada a José Quintanilla, por su obra “Et in Arcadia ego”.
Estos galardones, para los que en 2025 se recibieron 1.375 obras de 547 artistas, son un referente para impulsar la fotografía profesional española e iberoamericana.
Para más información: https://www.enaire.es
“Street Art & People BCN”, de Manel Antolí
- Publicado el Viernes, 06 Junio 2025 17:10
“Street Art & People BCN” es el nombre de la exposición de fotógrafo barcelonés Manel Antolí, que se podrá ver hasta el 30 de junio de 2025 en Foment Martinenc (calle Rogent, 57, Barcelona). Se trata de fotografías de grafitis pintados en las persianas metálicas de diversos locales y aparcamientos de Barcelona, con un elemento distintivo: la inclusión espontánea de personas anónimas, que, por casualidad, pasaban por el lugar en ese preciso momento, generando escenas y contrastes inesperados y curiosos.
Un canto al arte callejero
“Street Art & People BCN” es un canto al arte callejero como fundamento de transformación urbana y, al mismo tiempo, una invitación a descubrir una dimensión oculta de la ciudad, que sólo se puede contemplar una vez cerrados los comercios, en festivos o por la noche.
En palabras de su autor: “El propósito de este ensayo fotográfico es dar vida a estas joyas, que, las más de las veces, nos pasan desapercibidas..., pero incorporando en los ‘shots’ [las tomas] a gentes anónimas de Barcelona que, en un momento dado, pasaban por allí. Y generaban a veces curiosos contrastes solo perceptibles cuando el ojo del fotógrafo los ve y espera pacientemente el momento oportuno de integrarlos, congelando la imagen y haciendo que el tiempo se detenga. ¡Clic!”.
La obra de Manel Antolí no es solo una colección de fotografías de arte callejero, sino que es también una invitación a redescubrir Barcelona, prestando atención a los detalles efímeros y sorprendentes que la transforman y que, a veces, sólo el ojo de un fotógrafo puede descubrir.
Para más información: https://www.instagram.com/p/DKHLSA1NG2G/
Edward Weston y Joan Andreu Puig Farran, en el centro KBr Fundación Mapfre Barcelona
- Publicado el Jueves, 12 Junio 2025 14:09
Hasta el 31 de agosto de 2025 se podrán visitar en el centro KBr Fundación Mapfre Barcelona (Avenida del Litoral, 30) sendas exposiciones de los fotógrafos Edward Weston y Joan Andreu Puig Farran. Ambas muestras ofrecen una visión de la fotografía desde diferentes perspectivas y contextos históricos, en las que se destaca la versatilidad y el impacto del medio fotográfico.
La materia de las formas
La exposición antológica “La materia de las formas”, de Edward Weston, cuyo comisario es Sergio Mah, está organizada con el apoyo del Center for Creative Photography de la Universidad de Arizona, Tucson. La misma “se concibe desde una mirada europea al legado de la fotografía moderna norteamericana. Un contrapunto estético y conceptual al modernismo fotográfico en Europa que emerge con las primeras vanguardias del siglo XX”. La muestra se compone de unas 200 imágenes, primeras ediciones de sus libros y catálogos, así como una película.
La obra de Edward Weston (1886-1958) es fundamental para comprender la consolidación de la fotografía como medio artístico y el comienzo del estilo fotográfico moderno con imágenes de gran detalle, en oposición al pictorialismo imperante en la época, del cual él mismo fue partícipe en sus inicios.
Esta exposición se podrá ver el otoño próximo en la Fundación Mapfre de Madrid.
La década convulsa (1929-1939)
En la exposición “La década convulsa (1929-1939)”, de Joan Andreu Puig Farran,se presenta una selección de fotografías positivadas a partir de placas de vidrio conservadas por los herederos del fotógrafo, así como un amplio número de copias originales provenientes de los fondos del diario “La Vanguardia”. Asimismo, se complementa con publicaciones de la época.
Joan Andreu Puig Farran (1904-1982) jamás llegó a exponer sus obras en vida, aunque sí se publicaron en revistas y periódicos. Desde 1929 trabajó como reportero gráfico para varios diarios catalanes. Durante la Guerra Civil estuvo cubriendo los frentes de Aragón y Mallorca. Tras el fin de ésta se tuvo que exiliar en Francia, y acabó regresando en 1945 a Barcelona, donde ya no pudo trabajar en la prensa, por lo que se tuvo que dedicar a la fotografía publicitaria y turística. Junto con su amigo Antoni Campañà (1906-1989), creó en los años sesenta el sello de postales CYP, que tendría mucho predicamento durante dos décadas.
Para más información: https://www.fundacionmapfre.org
“Después de todo. Fotografía en la Colección Helga de Alvear”, en la Serrería Belga
- Publicado el Lunes, 02 Junio 2025 16:42
La exposición “Después de todo. Fotografía en la Colección Helga de Alvear”, se podrá visitar hasta el 27 de julio de 2025 en el Espacio Cultural Serrería Belga (calle Alameda, 15, Madrid). Esta interesante exposición forma parte de la Sección Oficial de PHotoEspaña 2025 y nos ofrece un recorrido visual por cien años de historia europea, así como un diálogo entre el pasado y el presente, a través de una selección de fotografías de arquitectura, de la Colección de Helga de Alvear, galerista, marchante y coleccionista de arte de origen alemán, pero que vivió muchos años en Madrid y donde falleció a primeros de este año, a los 88 años.
Momentos históricos de transformación
Organizada en colaboración con el Museo Helga de Alvear (Cáceres), la exposición tiene como comisarias a Sandra Guimarães, directora de la institución, y María Jesús Ávila, su coordinadora. Ambas han articulado un relato expositivo en torno a tres momentos clave del siglo XX: el periodo posterior a la Primera Guerra Mundial, la crisis industrial de mediados de siglo y la reconfiguración geopolítica tras la caída del muro de Berlín. En estos contextos, la arquitectura se convierte en testimonio mudo, pero elocuente, de las transformaciones sociales, económicas y políticas que han marcado el devenir del continente.
Figuras fundamentales de la fotografía
La muestra reúne obras de figuras fundamentales de la historia de la fotografía, como Eugène Atget —con la imagen más antigua de las expuestas, 1904—, Bernd y Hilla Becher, Thomas Struth, Candida Höfer, Andreas Gursky y Axel Hütte, entre otros. En su obra, el espacio urbano —y no el retrato o el paisaje— se convierte en protagonista: fábricas abandonadas, interiores institucionales, barrios obreros y construcciones monumentales aparecen captados como reflejo de sociedades en proceso de transformación o desaparición.
Desde la estética documental de la “Nueva Objetividad” —movimiento artístico surgido en Alemania a principios de la década de 1920 como una reacción al expresionismo, que buscaba realizar una representación objetiva y realista de la realidad— hasta la sofisticación conceptual de la Escuela de Düsseldorf —basado en la “Nueva Objetividad” de treinta años antes y opuesto al estilo subjetivo de Otto Steiner (1915-1978)—, la exposición revela también la evolución del lenguaje fotográfico y su progresiva integración en los discursos del arte contemporáneo. En este sentido, “Después de todo” no ofrece una mera mirada histórica, sino también crítica, sobre los modos en que la fotografía ha interpretado y construido la memoria colectiva de Europa.
Recuerdo a Helga de Alvear
La sede de la muestra, el edificio de la Serrería Belga —una antigua estructura industrial de principios del siglo XX— contribuye significativamente al discurso expositivo. Su arquitectura dialoga de forma orgánica con las obras presentadas, amplificando su resonancia y profundidad simbólica. De hecho, María Santoyo, directora de PHotoEspaña, ha definido “Después de todo” más como una instalación que como una exposición.
Por su parte, Sandra Guimarães, destacó la figura Helga de Alvear, cuyo sueño era: “Transformar la vida de las personas a través del arte”. Asimismo, destacó su legado como coleccionista visionaria en una etapa en la que la fotografía no tenía apenas consideración de arte.
María Jesús Ávila también señaló que la clarividencia de Helga de Alvear sobre el momento de cambio en cuanto a la fotografía, y relató una anécdota de Art Basilea de 1990, cuando se impuso al director de la feria que quería relegar la fotografía con respecto al resto de las artes.
Ambas comisarias animaron a visitar el Museo de Arte Contemporáneo Helga de Alvear de Cáceres, depositario de la colección de esta gran galerista y coleccionista.
Para más información: https://www.serreria-belga.es/
