Revista FV - Fotovídeo Actualidad

Dom02252024

Última actualizaciónVie, 23 Feb 2024 8am

Back Usted está aquí: Inicio Agenda y Concursos Agenda y Concursos Agenda

Jordi Socías: “Al final de la escapada”

La Sala Canal de Isabel II (Santa Engracia 125, Madrid) expone, hasta el 21 de abril de 2024, “Al final de la escapada”, una muestra que recorre los cincuenta años de carrera profesional del fotógrafo Jordi Socías.

Recorrido cronológico de más de cincuenta años de carrera
La exposición de la Sala Canal de Isabel II, ubicada en un antiguo depósito de agua, está organizada en cuatro plantas y hace un recorrido cronológico por la obra de Jordi Socías, desde sus inicios en los años setenta hasta la actualidad, salpicado de rupturas en el tiempo y en la técnica, aunque la mayor parte de las obras son en blanco y negro, hay imágenes en color estratégicamente dispuestas.

Organizada por plantas
La planta baja recibe al visitante con grandes ampliaciones de algunos de sus retratos más emblemáticos, Pedro Almodóvar y Paloma Picasso entre ellos, además de vitrinas con selección de su álbum personal, ejemplares de las grandes revistas donde trabajó y muestras de sus referentes en el mundo de la fotografía, con especial hincapié en el libro de Susan Sontag “Sobre la fotografía”, que considera una obra fundamental.
En la primera planta se pueden ver sus inicios y su etapa de consagración con fotos de hechos clave en la historia de España.
La segunda planta está dedicada a una de las grandes especialidades de Jordi Socías, el retrato. Arte en el que es maestro. Así podemos ver a Francis Ford Coppola, Anna Galiena, John LeCarré, Javier Bardem, Marina Abramović, Woody Allen, Norman Foster, Penélope Cruz y Ai Weiwei, entre otros. Retratos siempre relacionados con el mundo de la cultura, que el fotógrafo considera “forma parte del paso de la vida” y da mucha importancia a lo que ha aprendido de estos grandes personajes.
Finalmente, la tercera y última planta se muestra la visión cosmopolita del fotógrafo en grandes ciudades de todo el mundo, junto con fotografías realizadas durante el rodaje de películas, que trascienden la mera foto fija de cine. Hasta ahora ha participado en más de 25 rodajes hasta la fecha.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2023/exposicion-jordi-socias-final-escapada

El centro KBr Fundación Mapfre Barcelona presenta sendas exposiciones de Consuelo Kanaga y “La cámara doméstica”

Hasta el 12 de mayo de 2024 se podrán visitar en el centro KBr Fundación Mapfre Barcelona (Av. del Litoral, 30) la primera exposición retrospectiva de Consuelo Kanaga en Europa y una muestra colectiva titulada “La cámara doméstica”, centrada en los inicios y la evolución de la fotografía amateur en Cataluña, desde 1880 hasta el estallido de la Guerra Civil, en 1936.

Consuelo Kanaga
Consuelo Kanaga (1894-1978) está considerada por derecho propio como una de las figuras fundamentales en la historia de la fotografía del siglo XX. Centrada en grandes cuestiones sociales como la marginación, la pobreza, el racismo o la desigualdad, particulamente en lo que se refiere a la situación de la población negra en los Estados Unidos.
Su importancia no sólo radica en el hecho de la calidad de su trabajo, sino en que fue una de las pocas mujeres que llegó a ser fotoperiodista profesional, en la segunda década del siglo pasado, en los Estados Unidos. Asimismo, mantuvo una estrecha relación con los círculos de vanguardia estadounidenses, tanto en San Francisco, con el Grupo f.64, como en Nueva York, con la Photo League.
A pesar de que en vida logró un gran reconocimiento, su obra fue cayendo en cierto olvido y sólo recientemente se está recuperando como merece. Esta exposición pretende contribuir de forma concluyente al reconocimiento que la obra de Kanaga sin duda merece.
La exposición del KBr, que el mes de mayo de 2024 viajará a Fundación Mapfre Madrid, está organizada por el Brooklyn Museum de Nueva York, junto con la Fundación Mapfre y el San Francisco Museum of Modern Art. La exposición incluye cerca de 180 fotografías y otros materiales documentales y de archivo, de forma que recorre y contextualiza el trabajo de Kanaga.

La cámara doméstica. La afición fotográfica en Cataluña (CA. 1880-1936)
Compuesta de unas 300 piezas, esta exposición realiza un recorrido temático por la historia de la fotografía amateur en Cataluña, en el periodo comprendido entre los años 1880 y 1936. Para su realización se ha precisado de la colaboración de diecisiete instituciones públicas —entre archivos, museos, bibliotecas y centros de investigación— y nueve colecciones privadas.

Para más información: www.fundacionmapfre.org

“Vidas minadas. 25 años”, de Gervasio Sánchez, en el Círculo de Bellas Artes

Hasta el 21 de abril de 2024 se podrá ver en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (Alcalá, 42) la exposición “Vidas minadas. 25 años”, de Gervasio Sánchez. Un proyecto todavía en curso con el que fotógrafo ha comprometido su vida.

Un proyecto de largo recorrido
En 1997, Gervasio Sánchez (Córdoba, 1959) presento en el Círculo de Bellas Artes (CBA) de Madrid su exposición “Vidas minadas”. El libro, a modo de catálogo, lo fue en octubre pasado. No sabemos si en su ánimo estaría entonces continuar con ese trabajo. En cualquier caso, se ha convertido en su vida. En la presentación realizada hoy, 24 de enero de 2024, en el CBA, entre bromas y veras anunciaba que esperaba poder hacer la exposición “Vidas minadas. 50 años”. Para entonces, 2049, Gervasio Sánchez tendría 90 años.

Una vida tras las minas
Desde que en 1995 entrase en contacto con las víctimas de las minas antipersona en Kuito (Angola), Gervasio Sánchez se dio cuenta del efecto devastador de este arma de guerra hoy prohibida. Dos años después había compuesto una exposición que coincidió en el tiempo con la firma del Tratado sobre la prohibición de minas antipersonales, que entraría en vigor en 1999.
Gervasio Sánchez comenta con una rabia serena que la firma del tratado no fue producto de las buenas intenciones de sus firmantes a la hora de evitar sufrimientos, sino por motivos económicos. Occidente no podía competir económicamente con la fabricación de estos artefactos mortales por parte de China o la India. Fabricar minas antipersona había dejado de ser negocio.

Un enfoque humano
Durante estos 25 años, Gervasio Sánchez ha visitado una y otra vez a estas víctimas de las minas de cuatro continentes. A través de sus fotos conocemos sus historias, siempre desgarradoras, pero con un gran poso de esperanza. Al fin y al cabo, aunque mutilados, sobrevivieron, a veces en condiciones terribles, y pudieron rehacer sus vidas.
La importancia de este trabajo de Gervasio Sánchez estriba en que transforma las asépticas estadísticas de muertos, meros números, en personas con nombres y apellidos, en las que nos podemos reconocer nosotros mismos.

Activismo
Gervasio Sánchez es un activista en contra del comercio de armas y en la presentación de la exposición no ha dudado en cargar con palabras muy duras contra los gobiernos, de cualquier signo, que permiten y fomentan su venta.
Asimismo, ha hecho referencia a como las ONGs se han transformado actualmente en empresas dirigidas por personas salidas de escuelas de negocios. De hecho, ya no colabora con las tres que estuvieron con él hace 25 años. Vehemente, pero educado, ha reiterado lo que ya dijera en su discurso de 2008, al recoger el Premio Ortega y Gasset de Fotografía: “Me siento escandalizado cada vez que me topo con armas  españolas en los olvidados campos de batalla del tercer mundo y que me  avergüenzo de mis representantes políticos”.
En FV 293 publicaremos un extenso reportaje sobre esta obra de Gervasio Sánchez.

Para más información: https://www.circulobellasartes.com/

Surrealismos, diálogo entre el arte y la máquina en una fascinante exposición en Madrid

Hasta el 21 de abril de 2024, la Fundación Canal (Mateo Inurria 2, Madrid) presenta la exposición “Surrealismos. La era de la máquina”, la cual explora la fascinante relación entre el movimiento surrealista y la tecnología emergente de principios del siglo XX. La muestra, que conmemora el centenario del primer Manifiesto Surrealista, publicado por André Breton el 15 de octubre de 1924, reúne más de 100 obras de artistas, tanto plásticos, como Francis Picabia y Marcel Duchamp, y fotógrafos, como Alfred Stieglitz y Man Ray, todos ellos figuras clave en el desarrollo de este diálogo entre arte y máquina.

Nueva York, nuevo centro del arte
En un contexto marcado por la tragedia de la Primera Guerra Mundial, Nueva York, centro de un país industrializado y en plena ebullición, se convirtió en un hervidero de creatividad. Artistas de diversos países se refugiaron en la ciudad, donde encontraron un terreno fértil para la experimentación y la ruptura con las tradiciones artísticas. La máquina, símbolo de la modernidad y la industrialización, se convirtió en una fuente de inspiración y un elemento central en sus obras.
La fotografía tiene un papel protagonista en esta exposición. Alfred Stieglitz, pionero del movimiento vanguardista en Estados Unidos, defendía la fotografía como una forma de arte autónomo, cuando todavía se discutía su entidad artística. Su trabajo, junto al de Man Ray, explora en esta exposición las posibilidades de la cámara para captar la esencia del mundo moderno, distorsionando la realidad y creando imágenes oníricas.
El cuerpo humano también se reinterpreta a través de un punto de vista surrealista. Se le ve como una máquina capaz de generar sueños, deseos y emociones. Dalí, figura clave del surrealismo, llego a declarar “el surrealismo soy yo”, consideraba el arte como una “máquina del pensamiento”, una ventana abierta al inconsciente, a lo irracional y a lo artificial.

Cuatro secciones temáticas
La exposición se divide en cuatro secciones temáticas. “El nuevo mundo y la fotografía pura”, que se desvincula de la, entonces triunfante, corriente fotográfica pictorialista. “Del desnudo artístico al cuerpo como máquina”, donde analiza la representación del cuerpo humano desnudo recobrado, desde el ejercicio devaluado del clasicismo académico, como un generador de deseo, a lo que contribuyó el collage fotográfico. “De la abstracción a la máquina” muestra cómo la fascinación por la tecnología llevó a artistas como Man Ray a combinar formas geométricas y antropomorfas como representación de la relación entre el hombre y la máquina. Y, finalmente, “Eros y máquina”, un apartado completamente dedicado a Marcel Duchamp, en el que la fotografía y los nuevos medios de reproducción mecánica le abrieron un mundo completamente nuevo en el mundo del arte. Se trata de un debate sobre el original y la copia, cuestionando la experiencia única de la obra de arte, la autoría y la manufactura. En cierto sentido, en una forma similar a lo que estamos viviendo hoy en día con la inteligencia artificial.

Para más información: www.fundacioncanal.com

Inaugurada en Madrid la exposición World Pres Photo 2023

Como anunciamos hace unos días, ha tenido lugar en Madrid la inauguración que recoge los ganadores de la 66 de los premios World Pres Photo.

Un nuevo espacio
La presentación a la prensa estuvo conducida por Marika Cukrowski (en la foto), encargada de exposiciones y comisaria de la Fundación World Pres Photo. Al acto asistió también el ganador español en la categoría de Formato Abierto de la región de Europa, César Dezfuli (Madrid, 1991), que glosó su proyecto “Passengers”, iniciado en 2016 y aún en curso, sobre realidad de la migración en el Mediterráneo.
Asimismo, Carmen Fernández Marinas, directora de marketing de Ephimera, empresa perteneciente al grupo Festín, encargada de la gestión del Larra Laboratorio de Periodismo, donde tuvo lugar la exposición —hace dos años que no recalaba en la capital—, explicó el proyecto y el por qué fue elegido ese espacio para realizar la misma. En las mismas instalaciones se puede ver también la exposición del fotógrafo iraní Ebrahim Noroozi titulada “El país más triste del mundo y el peor para las mujeres”, sobre la situación en Afganistán tras la retirada de la tropas estadounidenses, tal y como acordó el entonces presidente Donald Trump en los llamados acuerdos de Doha, en 2020.
La exposición World Pres Photo 2023 se podrá ver en el Larra Laboratorio de Periodismo (calle Larra, 4) hasta el 21 de diciembre de 2023.

Para más información: https://larra.info/

Nemotipos de Joan Fontcuberta, en la sala Verónicas de Murcia

La sala Verónicas de Murcia (Calle Verónicas, 4) —antigua iglesia del siglo XVIII desacralizada exhibe, hasta el 28 de abril de 2024, la exposición “Nemotipos”, que recoge trabajos recientes en los que Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) ha utilizado la inteligencia artificial (IA) y otros más antiguos, con imágenes generadas por algoritmos o programas específicos. La exposición está patrocinada por el Instituto de las Industrias Culturales y las Artes de la Región de Murcia.

Nemotipos
“Nemotipo” es un neologismo relacionado con el origen de la fotografía, que hace referencia a términos como calotipo, daguerrotipo, talbotipo, cuyo sufijo “tipo” proviene del griego “molde”, mientras que la palabra latina “nemo” significa nadie. Así, el uso de la IA hace que “nadie” tenga participación en la creación de la imagen.
En los últimos cinco años, Fontcuberta ha realizado series en coautoría con Pilar Rosado, como “La petite mort” (2020), “Frenografías” (2021) y “Déjà-Vu” (2021-2023). Y “De rerum natura” (2023-2024) y ‘”Freak-Show II (La parada de los monstruos)” (2024) en solitario. Todas ellas aplicando una tecnología GAN (Generative Adversarial Networks) y procesos de aprendizaje automático. Además de éstas, se exponen otras series anteriores en las que no tuvo participación la IA, pero si distintos programas informáticos: “Topofonías” (1993-1995), “Orogénesis”(2002-2006) y “Googlegramas” (2004-2010).
En la edición de 2023 de PHotoEspaña se pudo ver esta misma exposición, a la que se han añadido ahora obras más recientes, realizadas durante el pasado y el presente año.

Reflexiones sobre IA y fotografía
Asimismo, cabe resaltar que coincidiendo con la exposición se ha editado una completa monografía de casi 300 páginas, que reflexiona sobre lo que el advenimiento de IA supone para la fotografía, con textos de especialistas de la imagen como Juan Martín Prada, el propio Joan Fontcuberta y el comisario de la exposición Sema D’Acosta. Completa el libro un relato de ficción inédito, escrito especialmente para el mismo por el escritor Miguel Ángel Hernández.

Para más información: www.salaveronicas.es

Raúl Belinchón, en la cárcel Picassent

El fotógrafo valenciano Raúl Belinchón expone en el Centre del Carme (calle del Museo, nº 2, València) su trabajo “Algo parecido a la libertad”, en la que ofrece una mirada a la encrucijada entre la dura vida en la prisión y la búsqueda de la libertad. Se podrá ver del 17 de noviembre de 2023 al 25 de febrero de 2024.

Destellos de libertad
Raúl Belinchón ha dedicado tres años de compleja preparación y arduo trabajo en la cárcel de Picassent (València), con el que da un salto cualitativo y descubrimos su mirada más personal. Defiende con convicción y riesgo la difícil y ambivalente fusión de la vida en la prisión y la búsqueda permanente de la libertad, o de algo parecido a ésta como indica el título. Es capaz de captar y ofrecer al espectador los breves y sutiles destellos de libertad de los reclusos, quienes son capaces también de generar, tras muros y rejas que les separan de la vida en sociedad, espacios y momentos para la amistad, la solidaridad, el trabajo, la risa, la lectura, el deporte, la creatividad o el amor.

El trabajo más introspectivo
El fotógrafo ha declarado que “Algo parecido a la libertad” es “el trabajo más introspectivo que he realizado en mi vida. No solo ha sido una mirada a mi interior, sino también al de los presos y su entorno. El mundo penitenciario merece que el arte, como herramienta subversiva, altere ideas preconcebidas para mostrar una visión mucho más humana y, por lo tanto, más íntima. Creo que esta muestra tiene la capacidad de generar preguntas”.

Para más información: https://www.consorcimuseus.gva.es

Christer Strömholm, en la Fundación Mapfre de Madrid

Hasta el 5 de mayo de 2024 se podrá ver una gran exposición retrospectiva del fotógrafo sueco Christer Strömholm (1918-2002), en la Fundación Mapfre (Paseo de Recoletos 23, Madrid)

Captar la esencia
A pesar de obtener un reconocimiento muy tardío -no fue hasta 1986, a sus sesenta y ocho años, cuando el Moderna Museet de Estocolmo presentó su exposición “9 sekunder av mitt liv” (Nueve segundos de mi vida)- y aunque llevase exponiendo desde 1948, el trabajo fotográfico de Christer Strömholm es de una singular importancia dentro de la fotografía europea del siglo XX. Y, desde luego, junto con el de Anders Petersen, el más caracterizado de la fotografía sueca. Su fotografía trasciende de la mera fotografía contemporánea, ya que sus imágenes, comprometidas y nada objetivas, son de un humanismo íntegro y hablan por sí mismas, como se aprecia especialmente en sus retratos, donde es capaz de captar la esencia tanto de personajes anónimos, como de grandes artistas.
Esta exposición de Christer Strömholm ha coincidido en el tiempo y en el mismo espacio con otra gran retrospectiva del artista plástico francés, de origen judío-ruso, (1887-1985), cuyas comisarias, Meret Meyer (una de las dos nietas gemelas del artista) y Ambre Gauthier, han valorado muy positivamente que ambos corpus artísticos se hayan puesto en diálogo, ya que comparten “la necesidad de decir lo que hay que decir y expresar lo que no tenemos que olvidar”. Asimismo, resulta un ejercicio muy aleccionador para un espectador militante y comprometido establecer un diálogo entre estas obras y la actualidad.

La exposición
Fundación Mapfre expone más de ciento cincuenta imágenes y diversos documentos de Christer Strömholm, además de la película “Blunda och se” (Cierra los ojos y ve), realizada por el hijo del autor, Joakim Strömholm, en 1996. El recorrido expositivo recoge desde su participación en el grupo alemán Fotoform, a principios de la década de los cincuenta, pasando por sus viajes por el mundo, fotografías urbanas y retratos de artistas. Se articula en la siguientes secciones: Fotoform, Poste Restante, La Place Blanche, El París de los artistas y España.
La exposición se completa con un bien cuidado catálogo, con reproducciones de todas las fotografías expuestas y dos ensayos. Uno a cargo de la comisaria de la exposición, Estelle af Malmborg, y otro del crítico francés Christian Caujolle. Además, incluye una interesante conversación entre Estelle af Malmborg y el fotógrafo sueco Anders Petersen, sobre la trayectoria de Christer Strömholm.
En un próximo número de la versión impresa de FV dedicaremos un extenso artículo a este gran autor.

Para más información: https://www.fundacionmapfre.org/

Exposición World Press Photo 2023, en Barcelona

Desde el 10 de noviembre al 17 de diciembre, se puede ver la exposición que recoge los premios World Press Photo, en su edición de 2023, en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) (calle Montalegre, 5, Barcelona).

Más de 60.000 fotografías
Esta edición del concurso World Press Photo ha contado con la participación de 3.752 fotógrafos de 127 países y 60.448 fotografías. Los premios del concurso se dividen en 24 ganadores regionales y 4 mundiales, seleccionados entre los ganadores regionales. Los 24 fotógrafos premiados en 2023 provienen de 23 países: Alemania, Argentina, Armenia, Australia, Bélgica, China, Dinamarca, Ecuador, Egipto, España, Estados Unidos, Filipinas, Francia, Grecia, Irán, Italia, Marruecos, México, Myanmar, Perú, Sudáfrica, Ucrania y Venezuela.

Los premios principales
El premio máximo, la Fotografía del Año, ha recaído en una fotografía del profesional ucraniano Evgeniy Maloletka. Se trata de una imagen que muestra el horror de la guerra para los civiles durante el asedio ruso de Mariupol. El premio al Reportaje Gráfico del Año ha recaído en el fotógrafo danés Mads Nissen, que retrata la vida cotidiana del pueblo afgano bajo el yugo de los talibanes. El Proyecto a Largo Plazo, de la fotógrafa armenia Anush Babajanyan, detalla cómo cuatro países de Asia Central gestionan su deficiente acceso al agua y se a van adaptando a nuevas realidades desde que sufrieron la caída de la Unión Soviética. Finalmente, el Formato Abierto, del egipcio Mohamed Mahdy, sirve para preservar la memoria de un barrio de pescadores, ), que está a punto de desaparecer, en Alejandría (Egipto).

Españoles galardonados
Entre los ganadores regionales se encuentran dos españoles: César Dezfuli (Madrid, 1991), ganador en la categoría de Formato Abierto de la región de Europa, con su proyecto “Passengers”, iniciado en 2016 y aún en curso, sobre la compleja realidad de la migración en el Mediterráneo central. Por su parte, el fotoperiodista Emilio Morenatti (Zaragoza, 1969) ha recibido una mención de honor por el reportaje “War Wounds”, una visión muy personal sobre civiles heridos en la guerra en Ucrania.

Para más información: https://www.cccb.org/es