Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Finisterre”: Lebrija y Méndez Blake imaginan un faro en la galería Travesía Cuatro

Los artistas Gonzalo Lebrija y Jorge Méndez Blake presentan, en la galería Travesía Cuatro de Madrid (Calle San Mateo, 16), su proyecto artístico multidisciplinar “Finisterre”, hasta al 15 de febrero de 2026.

Proyecto multidisciplinar
Este proyecto multidisciplinar (fotografía, vídeo e instalaciones) nace a partir de un viaje que ambos creadores realizaron por la costa gallega, impulsados por un interés compartido en la figura del faro como símbolo cultural y existencial. Mientras Méndez Blake (Guadalajara, 1974) había explorado previamente este motivo a través de esculturas y dibujos de marinas, Lebrija (Ciudad de México, 1972) lo había abordado desde el diseño y la concepción arquitectónica, como en el faro de Xala, en la costa del Pacífico mexicano. El recorrido culminó en el emblemático Faro de Finisterre, situado en la Costa da Morte, un enclave cargado de historia, marcado por antiguos naufragios y por ser el kilómetro cero del Camino de Santiago.

Un faro imaginado
Lejos de plantear una representación literal del lugar, “Finisterre” propone un faro imaginado, construido a partir de fragmentos simbólicos y experiencias compartidas. “No se trata de documentar un faro real ni de reproducir una postal”, explica Marcos Giralt Torrente, comisario de la muestra, sino de crear una síntesis abstracta que trasciende la geografía. En este sentido, la exposición convierte Finisterre en un punto de unión entre Galicia y México, así como en un espacio simbólico donde el mundo “se destruye y renace con cada atardecer”.

Una geografía mental
La muestra rehúye una mirada romántica o documental para centrarse en la tensión entre opuestos: luz y oscuridad, esperanza y perdición, presencia y vacío. El resultado es un diálogo visual y conceptual que invita al espectador a contemplar el faro como metáfora del límite, del viaje y de la búsqueda interior.
“Finisterre” se define como una geografía mental donde los faros abandonan su función para transformarse en potentes símbolos universales: “fracciones de esperanza palpitando en el horizonte”.

Para más información: https://travesiacuatro.com/exposicion/finisterre/

El Arxiu Fotogràfic de Barcelona presenta la exposición “Cèsar Malet. Autorretrato. Ironía, estética y pasión”

El Arxiu Fotogràfic de Barcelona (AFB) presenta la exposición retrospectiva “Cèsar Malet. Autorretrato. Ironía, estética y pasión”, que podrá visitarse en su sala de exposiciones (Plaça de Pons i Clerch, 2, Barcelona), del 19 de noviembre de 2025 al 24 de mayo de 2026. La muestra reivindica la figura del fotógrafo Cèsar Malet (Barcelona, 1940-2015), el cual no es muy conocido, pero cuya obra destaca por una inmensa inteligencia y una excepcional exigencia artística, claves para entender la renovación visual de la Barcelona de los años sesenta.

El redescubrimiento de un visionario
A pesar de la precocidad y modernidad que definen su trabajo, la obra de Cèsar Malet no ha recibido el reconocimiento que merece, en parte porque él mismo nunca se preocupó por difundir sus imágenes. Esta exposición busca saldar esa deuda al presentar a un artista que supo renovar el lenguaje fotográfico de su tiempo con un estilo cosmopolita, irónico y profundamente crítico que rompió con la estética dominante de la época.
El título de la muestra, “Autorretrato. Ironía, estética y pasión”, capta la esencia de su triple mirada, tal como la describió el escritor Juan Marsé, quien afirmó que Malet se parecía a los hermanos Marx, “pero a los tres a la vez”: una visión lúdica y crítica. Su obra es el testimonio de una mente inquieta, que encontró en la fotografía el vehículo perfecto para dialogar con el vibrante contexto cultural en el que se desarrolló.

El cronista de una época
Cèsar Malet fue una figura clave en la escena cultural barcelonesa de finales del franquismo y un miembro destacado de la llamada “gauche divine”. Su trayectoria comenzó a los trece años y, tras formarse en Suiza y Francia, regresó a Barcelona a los dieciocho, para iniciar una prolífica carrera. Colaboró con revistas como “Fotogramas”, “Garbo” y el diario “El Noticiero Universal”, Además, en 1960, abrió su propio estudio de publicidad y moda.
Su talento trascendió fronteras y lo llevó a trabajar en Estados Unidos para la 20th Century Fox, en 1973. Esta prolífica y polifacética carrera ha dejado un extraordinario legado visual, gran parte del cual se presenta por primera vez al público en esta retrospectiva.

La exposición: un legado preservado
Esta exposición ha sido posible gracias al fondo que la familia del fotógrafo depositó en forma de comodato en el Arxiu Fotogràfic de Barcelona en 2017, compuesto por más de cinco mil negativos y seiscientas copias de época. La muestra reúne más de cien fotografías que abarcan toda su trayectoria.
El enfoque dado por su comisaria, Laura Terré, respeta al máximo la autoría de Malet al presentar las fotografías tal como él mismo las seleccionó y manipuló en su momento.

Para más información: https://ajuntament.barcelona.cat/arxiumunicipal/arxiufotografic/es

El MUVa presenta la exposición “Rafael Pablos. 50 años de fotografía”

El Museo de la Universidad de Valladolid (MUVa) ha inaugurado una significativa exposición retrospectiva del fotógrafo Rafael de Pablos (Cistierna, León, 1951), que rinde homenaje a su carrera fotográfica. Bajo el título “Rafael Pablos. 50 años de fotografía”, la muestra se podrá visitar en la sala de exposiciones del Edificio Rector Tejerina (Plaza Colegio de Sta. Cruz, 6), hasta el 31 de enero de 2026.

Universo visual construido durante cinco décadas
La exposición es un fiel reflejo de la extensa y variada trayectoria de este fotógrafo.
Rafael Pablos Fernández es un artista visual español reconocido por su dedicación a la experimentación con técnicas fotográficas tradicionales y artesanales. Nacido en un pueblo leonés, al borde de la montaña leonesa, se interesó por la fotografía en 1972, tras completar sus estudios de Maestría Industrial. Poco después se trasladó a Valladolid por motivos laborales.
En 1975 se unió la Agrupación Fotográfica Vallisoletana, iniciando una carrera marcada por la investigación técnica y conceptual del medio. A lo largo de décadas ha diseñado y fabricado sus propias cámaras de gran formato, ampliadoras y sistemas de revelado, además de desarrollar procesos propios como la “Fosfografía” —técnica fotográfica analógica innovadora desarrollada por el propio artista y César Blasco Pérez (Valladolid, 1957), con el que se crean imágenes capaces de brillar en la oscuridad mediante la integración de pigmentos fosforescentes en el proceso de la emulsión fotográfica—, fruto de su investigación y colaboración con otros artistas.
Su obra abarca numerosos géneros —desde el retrato y el paisaje, hasta el fotomontaje y series conceptuales— y se ha mostrado en múltiples exposiciones por Europa. Pablos también ha sido clave en iniciativas culturales como el proyecto Espacio Abierto Arte y Cultura Contemporánea, en Valladolid.
Su enfoque artístico, centrado en la experimentación y el dominio de los procesos fotográficos clásicos, le ha consolidado como una figura destacada dentro de la fotografía analógica contemporánea en España.
La producción de Rafael de Pablos se articula en más de una veintena de series, la mayoría presentes en esta exposición, en una visión panorámica de su evolución creativa. Esta diversidad de géneros no revela a un artista disperso, sino que es la consecuencia directa de su laboratorio creativo. Cada serie es el resultado de una nueva pregunta o un nuevo experimento técnico, unificadas no por el tema, sino por la inconfundible huella de su proceso.

Para más información: https://rafaelpablos.com/

Encuentro Nacional de Fotógrafos de Naturaleza (FoNat),

El Encuentro Nacional de Fotógrafos de Naturaleza (FoNat), organizado por Fujifilm, se celebrará el 22 y 23 de noviembre, en Alcalá de Guadaira (Sevilla). En el Teatro Auditorio Riberas del Guadaíra se reunirán figuras nacionales e internacionales de la fotografía de naturaleza, como Isabella Tabacchi, Morten Hilmer y Giacomo de Franchis.

Ponencias internacionales
Las ponencias internacionales están diseñadas para confrontar los paradigmas actuales de la fotografía de naturaleza, desde la expresión emocional hasta los dilemas éticos de la era digital.
Morten Hilmer (Dinamarca) hablará sobre “Persiguiendo un sueño”, en la que narra la historia de un chico con un sueño que se convirtió en un reconocido fotógrafo de fauna. Hilmer compartirá su viaje personal, desde sus inicios en los bosques daneses hasta vivir su pasión, en el que ofrecerá el consejo sincero que le daría a su yo más joven si pudiera volver a empezar.
Por su parte, Isabella Tabacchi (Italia) explorará en “Contar emociones a través de la fotografía de paisajes” cómo utiliza la fotografía para expresar su mundo interior. Su enfoque transforma la luz, el color y la composición en una poesía visual que conecta al espectador con el alma de un lugar, mostrando cómo los paisajes pueden resonar profundamente con la experiencia humana.
Giacomo de Franchis (Italia) abordará los retos del sector en “Wildlife photography: fotografía real en la era de lo instantáneo”. Su ponencia analizará cómo la tecnología y las redes sociales han transformado la fotografía de fauna, proponiendo una reflexión sobre cómo utilizar estas nuevas herramientas de forma ética y consciente para preservar la autenticidad en una disciplina que exige paciencia y respeto.

Ponencias nacionales
En cuanto a los ponentes nacionales, podemos destacar a Alberto Saiz y Víctor Ortega, que con “Filmando la Naturaleza en la era digital”, explicarán la técnica, paciencia y sensibilidad que implica la narración de historias sobre la vida salvaje y que requiere técnica, paciencia y sensibilidad.
Por su parte, “Sensaciones - La otra cara de la Fotografía”, de Rafael Ramos Pérez, no versará sobre las cámaras, objetivos o ajustes técnicos, sino que mostrará una selección de imágenes de su trabajo, compartirá con los asistentes sensaciones, emociones, vivencias y momentos irrepetibles que la naturaleza le ha regalado a lo largo del tiempo.

Desde 2004
Impulsado por los fotógrafos alcalareños Javier y Rafael Ramos, quienes organizaron la histórica primera edición en 2004, FoNat revive su espíritu original como punto de encuentro para la inspiración, el aprendizaje y la creación de vínculos entre los aficionados a la naturaleza. El encuentro irá más allá de las ponencias individuales para fomentar una comunidad de profesionales y aficionados unidos por su pasión por el mundo natural.
Como impulsores originales del encuentro, Javier y Rafael Ramos explican su visión: “Queremos que FoNat sea un punto de encuentro donde la pasión por la fotografía se una al compromiso por la conservación de la naturaleza. Como impulsores del género fotográfico que capta la belleza y autenticidad del mundo natural, reiteramos que la fotografía de naturaleza es la mejor forma de protegerla”.
Este compromiso es compartido por el patrocinador principal del encuentro. Según Eduardo López, director de Imaging y Recording Media de Fujifilm España: “Con este encuentro, FoNat impulsa el poder de la fotografía como herramienta de transformación y conciencia, promoviendo una mirada más sensible hacia el medio natural y recordando que cada imagen puede inspirar respeto, reflexión y compromiso con la naturaleza”.

Para más información: https://fonat.es/

“Miradas”, de Sylvia Polakov, en la Galería Nikon de Madrid

La Galería Nikon de Madrid (calle Reina Mercedes, 8) ha programado hasta finales de marzo de 2026 una exposición titulada “Miradas”, que recoge la obra y sirve de homenaje a la fotógrafa Sylvia Polakov, tristemente fallecida en noviembre de 2021.

Recorrido nostálgico e histórico
Las paredes de la Galería Nikon de Madrid están recubiertas de retratos de famosos de los años ochenta, captados con la cámara de Sylvia Polakov, que las jóvenes generaciones posiblemente no conozcan. Quizá tampoco seamos capaces de reconocer a algunos de ellos quienes sí vivimos esa época: hay, por ejemplo, una foto de una de jovencísima y hermosísima Carmen Cervera, actual viuda de Thyssen, que, si no fuera por la cartela, sería inidentificable.
Al igual que sus hermanas, la diseñadora de moda Carola y la actriz Diana, Sylvia Polakov nació en Buenos Aires. La familia se trasladó luego a Londres y, finalmente, a Barcelona, en los años sesenta. Fue allí donde Sylvia Polakov comenzó su carrera fotográfica —se pueden encontrar sus fotos en la prensa de la época—, pero no fue hasta que se mudó a Madrid cuando su carrera fotográfica despegó y cuando comenzó a fotografiar personajes famosos, o que lo serían después, como un Antonio Banderas, con poco menos de 27 años, el día de la boda con su primera esposa, Ana Leza. Según unas declaraciones de Sylvia Polakov, publicadas en la revista “Vanity Fair”: “París estaba en decadencia, Londres era una mierda y en Roma no se podía estar por los secuestros, había un clima político terrible. Entonces muchos jóvenes europeos miramos hacia Madrid. No había ya dictadura, la gente era guapa, nunca cenabas antes de las once de la noche, todo el mundo que conocías estaba creando algo diferente… Había necesidad, hambre de mezclarse”.
Posteriormente, formaría parte de la Asociación de Fotógrafos de Publicidad y Moda de Madrid, donde se dieron cita los fotógrafos más afamados de ese sector en la capital.
Una exposición nostálgica y didáctica a la vez que hace un recorrido por parte de nuestra historia y en la que se pueden ver algunas imágenes hasta ahora inéditas.

Para más información: https://www.nikonistas.com/digital/galeria-nikon.php

El fotógrafo suizo Paul Senn, en la guerra civil española

La obra fotográfica de Paul Senn, conocido fotógrafo humanista suizo, llega por primera vez a España a través de una exposición inédita sobre la Guerra Civil y el exilio republicano subsiguiente.
La muestra, organizada por Fundación Manuel Fernández “LITO” y el Ateneo de Madrid (calle del Prado, 21), donde se podrá visitar del 20 de noviembre al 21 de diciembre de 2025, pone en valor en nuestro país la obra de una de las figuras clave del fotoperiodismo europeo del siglo XX.
Esta exposición rescata el testimonio visual de un fotoperiodista fundamental, “injustamente olvidado”, que ofrece la mirada de un extranjero dotado de una inmensa calidad artística y un profundo compromiso humano con la Guerra Civil y el exilio republicano.

La relevancia de un fotógrafo comprometido
En un momento en que las narrativas visuales definen nuestra comprensión del mundo, redescubrir la obra de Paul Senn (1901-1953) resulta más relevante que nunca. Su enfoque, precursor de la llamada “fotografía comprometida” (“concerned photography”), ofrece una perspectiva humanista que trasciende el mero registro documental y establece una conexión directa con las personas retratadas.
Considerado uno de los fotógrafos suizos más influyentes de su tiempo, Senn construyó una carrera sólida entre 1930 y 1953, siempre desde una marcada posición socialdemócrata. Su obra se centró en denunciar las injusticias y los agravios políticos y sociales de su época. Temas como el fascismo, el desempleo o la precariedad de los más vulnerables fueron el eje de su trabajo, caracterizado por una dedicación constante a “los débiles y oprimidos”.
A lo largo de su prolífica trayectoria, publicó más de 1.500 reportajes, principalmente en revistas suizas de gran prestigio, como “Zürcher Illustrierte” y “Berner Illustrierte”. Su vasto legado, formado por un archivo de aproximadamente 100.000 negativos, se conserva actualmente en el Museo de Bellas Artes de Berna. Aunque su trabajo lo llevó por toda Europa y América, su profundo vínculo con España dio lugar a algunas de sus series más conmovedoras e históricamente significativas.

Una mirada suiza sobre la más trágica historia de España
La conexión de Paul Senn con España ofrece un testimonio único de uno de los capítulos más trágicos de nuestra historia contemporánea. Como observador externo, pero dotado de una empatía extraordinaria, sus fotografías retratan el impacto del conflicto en la vida de la población civil con una honestidad sobrecogedora.
Senn viajó a España en varias ocasiones antes y durante la Guerra Civil y colaboró estrechamente con la Ayuda Suiza —una iniciativa humanitaria de organizaciones no gubernamentales suizas, como el Servicio Civil Internacional (SCI), activo durante la Guerra Civil para ayudar a la población civil, especialmente a los niños— para documentar la realidad sobre el terreno.
Su trabajo más impactante data de 1939, cuando fue testigo directo del éxodo republicano. En medio del caos, unas 450.000 personas cruzaron los Pirineos hacia Francia huyendo del avance de las tropas franquistas, en lo que se conoce como “La Retirada”, el mayor éxodo europeo del siglo XX hasta entonces.
Las imágenes de Senn constituyen un testimonio visual fundamental para comprender la magnitud de la tragedia humana. Su compromiso no terminó en la frontera; posteriormente, documentó las duras condiciones de los refugiados españoles en los campos de concentración del sur de Francia, como los de Rivesaltes y Récébédou. Esta exposición revela este archivo excepcional y lo presenta por primera vez en el país que lo inspiró.

Detalles de la exposición
Esta exposición representa una oportunidad única para que el público español pueda conectar con su propia historia a través de la visión de un fotógrafo cuya obra combina rigor documental con una inmensa calidad artística y un profundo sentido de la justicia. La muestra, fruto de una rigurosa labor de investigación, cuenta con la colaboración de los comisarios Michel Lefebvre-Peña, periodista francés de padre español y redactor jefe de Historia de “Le Monde Magazine”; y Markus Schürpf (1961), comisario e historiador del arte suizo, autor del libro “Paul Senn - Fotoreporter”.

Para más información: https://ateneodemadrid.com/

Miguel Leache, en el Photomuseum de Zarautz

El fotógrafo Miguel Leache (Pamplona, 1959) presenta la exposición “Rápido REM” en el Photomuseum de Zarautz (San Inazio Kalea, 11, Zarautz, Gipuzkoa), que podrá visitarse desde el 25 de noviembre de 2025 hasta el 11 de enero de 2026. A través de su cámara, Leache se adentra en la vasta red del concurrido metro de Tokio, para fotografiar el sueño de sus viajeros.

El significado de “Rápido REM”
El título de la exposición alude a la fase del sueño conocida como “Rapid Eye Movement” (Movimiento Ocular Rápido), momento en que la actividad cerebral se intensifica y comenzamos a soñar. Con esta elección, Leache subraya la asombrosa facilidad con la que los pasajeros del metro de Tokio alcanzan este estado de suspensión de la consciencia, desconectando del entorno frenético del transporte para sumergirse en su mundo interior.
El punto de partida del proyecto de Leache es el concepto cultural japonés del “inemuri”, que puede traducirse como “dormir estando presente”. Esta práctica socialmente aceptada en Japón permite dormitar en público sin que se interprete como desatención, desinterés o desgana hacia los demás. En esta serie, la idea del “inemuri” parece ceder ante la “certeza científica de las hormonas que regulan el sueño y la vigilia”. Esta tensión sugiere que el “inemuri” podría ser una sofisticada negación estética o espiritual de una predisposición genética a la somnolencia.

Actividades complementarias
Con el fin de ampliar el contexto de la exposición, el Photomuseum ha organizado una serie de actividades que permiten un diálogo directo con el artista y su proceso creativo. El 12 de diciembre de 2025, Miguel Leache ofrecerá la conferencia titulada “Fotografía y transporte: de Walker Evans a Alejandro Cartagena”, en la que hará un recorrido por las múltiples intersecciones entre el medio fotográfico y el mundo del transporte, eje temático recurrente en la historia de la fotografía documental.

Para más información: https://www.photomuseum.es/index.php/es/

La fotografía puesta a prueba por la ficción, en la Galería VU'

La exposición “La photographie à l’épreuve de la fiction” (“La fotografía puesta a prueba por la ficción”), que se puede visitar en la Galería VU' de París (60 Avenue de Saxe) hasta el 3 de enero de 2026, explora cómo los artistas contemporáneos utilizan el medio para construir universos propios. La idea no es nueva; ya en 1840, Hippolyte Bayard (1801-1887) escenificó su propio suicidio en su “Autoportrait en noyé” (Autorretrato de un ahogado), lo que demuestra que la ficción ha sido inherente a la fotografía desde el principio. La muestra de la Galería VU’ retoma este legado con una fuerza renovada, al reunir a creadores que demuestran que la cámara es, ante todo, un instrumento para contar historias. “Aquí, la fotografía, lejos de transcribir la simple coincidencia del fotógrafo con el mundo real, es el vector y el lenguaje mismo de la ficción, dejando vía libre a la poesía, al relato y a lo imaginario”.

Juan Manuel Castro Prieto, un diálogo con Lorca

La obra de Juan Manuel Castro Prieto se erige como un pilar central de la muestra. A través de su potente retórica visual, el fotógrafo madrileño reinterpreta “Bodas de sangre”, el drama inmortal de Federico García Lorca. La editorial La Fábrica publicó en 2010 un libro del mismo título. El resultado es una serie que invoca la atmósfera opresiva, sacrificial y fantasmagórica del destino que persigue a los personajes de la obra. Su trabajo, no obstante, no constituye una simple ilustración del texto. Se trata de un profundo diálogo entre dos artistas a casi un siglo de distancia, donde Castro Prieto explora temas que resuenan en su propia obra: la sensualidad, la espiritualidad y la tensión constante entre la muerte y la fuerza vital. Su reconocida trayectoria como uno de los “más sabios, exigentes y sutiles copistas europeos”, consolidada por su trabajo con las placas originales de Martín Chambi, a principios de los años noventa, le otorga la maestría técnica necesaria para afrontar un proyecto de esta envergadura.

Otras miradas sobre la ficción
Junto con Juan Manuel Castro Prieto (Madrid, 1958) exponen tres fotógrafas. Por una parte, Sophie Caretta (Versalles, Francia, ), quien se sumerge en procesos antiguos como el colodión húmedo para dar forma a un universo onírico y construir diálogos interiores. Gabrielle Duplantier (Bayona, Francia, 1978), en su caso, construye una poética visual personal y fuera del tiempo mediante imágenes pobladas por paisajes de luces fabulosas y personajes que surgen como apariciones fantasmales, evocan una sensación de lo maravilloso y lo fantástico, con ecos de la pintura y la literatura victorianas. Finalmente, Camille Brasselet (1997) aborda la fotografía desde una perspectiva teatral, mediante la composición de escenas que recuerdan a formas de dioramas revisitados. Sus “personajes”, que actúan en las ficciones que ella crea, a menudo aparecen desindividualizados o de espaldas, negándose al espectador.

Para más información: https://galerievu.com/