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Mar04232024

Última actualizaciónVie, 19 Abr 2024 7am

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Cristina de Middel: “Cartas al director”, en la Sala Canal de Isabel II


La fotógrafa alicantina, ahora residente en Brasil, Cristina de Middel, presenta en la Sala Canal de Isabel II de Madrid (calle Santa Engracia, 125) su exposición “Cartas al director”, cuyo motivo central se basa en temas periodísticos, como la guerra, la violencia y la emigración, pero con la mirada contemporánea que caracteriza a la fotógrafa. Se podrá visitar hasta el 14 de enero de 2024.

En el momento óptimo de su madurez creativa
Cristina Manuela de Middel Puch, Premio Nacional de Fotografía 2017 y licenciada en Bellas Artes (2001) por la Universitat Politècnica de València, realizó una estancia en Universidad de Oklahoma (EE UU), gracias a una beca PROMOE, e hizo un máster en Bellas Artes a principios de este siglo. Asimismo, llevó a cabo un curso de postgrado en fotoperiodismo en la Universidad Autónoma de Barcelona, en 2002. Sus primeros trabajos fotográficos en el campo de fotoperiodismo se desarrollaron colaborando con diversas publicaciones. Se dio a conocer al gran público en 2012, con su trabajo “Afronautas”, sobre un pretendido programa espacial que intentó organizar en Zambia a mediados de los años sesenta un embaucador llamado Edward Makuka Nkoloso.
Con este trabajo expuesto en la Sala Canal de Isabel II, podemos afirmar sin duda que Cristina de Middel se encuentra en lo mejor de su madurez creativa.

Cartas al director
Retomando sus inicios como fotoperiodista, tamizados por una larga experiencia en fotografía contemporánea, Cristina de Middel pretende “contrarrestar los discursos unidireccionales de lo visual y lo informativo” en su exposición “Cartas al director”.
La exposición combina diversos proyectos, algunos antiguos y otros nuevos, que contemplados juntos adquieren un nuevo sentido. Así, se combinan “Vida y milagros de Paula P.” (2009), una historia a caballo entre la realidad y la ficción, con la intención de proteger la identidad de la prostituta protagonista: “Gentlemen’s Club” (2015 – 2023), con fotos y entrevistas a clientes de prostitutas que eran pagados por ello, en lo que se convierte en un juego de espejos; “Journey to the Center”(2015 – 2022), un desgarrador alegato con respecto a la inmigración en la frontera entre México y Estados Unidos; y, finalmente, “The Kabuler” (2022), realizada junto al fotógrafo italiano Lorenzo Meloni, donde se combinan dos visiones del conflicto en Afganistán, la periodística del uno y la contemporánea o conceptual de la otra.
La exposición finaliza en la cuarta planta del edificio, donde antiguamente se encontraba la cuba de este deposito de agua, que era antes la Sala Canal de Isabel II. Allí se puede encontrar una mesa de director de periódico clásico, impreso en papel, como metáfora del vacío poder, carente de sentido.
Al contrario, la planta inferior está dedicada a la confección de un diario que el visitante está invitado a realizar él mismo. Una metáfora que “rompe la unidireccionalidad informativa y de discurso”. Ya que ahí cualquiera puede opinar, publicar y construir su propio medio con las manos; cortando y pegando recortes.

El catálogo
El visitante puede completar la experiencia adquiriendo por 35 euros el catálogo de la exposición, que no es un libro al uso, sino una caja que contiene un periódico, fotos, desplegables y folletos relativos a las diversas series que compone la exposición. Se trata pues un objeto, una experiencia que, sin duda, el tiempo revalorizará.
En un próximo número de FV hablaremos más extensamente de esta exposición de Cristina de Middel y de su catálogo.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2023/exposicion-cristina-middel-cartas-director

Mathieu Pernot y Medardo Rosso en Fundación Mapfre de Madrid

Hasta el 7 de enero de 2024 se podrán en la Fundación Mapfre de Madrid (Paseo de Recoletos 23) sendas exposiciones del fotógrafo Mathieu Pernot y del escultor Medardo Rosso.

La fotografía de un escultor
Medardo Rosso (Turín, 1858 - Milán, 1928) fue un escultor y pintor italiano, fundamentalmente conocido por sus esculturas en yeso y cera, pero junto a ello, se ha conservado un trabajo fotográfico relativamente eclipsado por su genio escultórico, que esta exposición de Fundación Mapfre se encarga de mostrar y poner en contexto.
A principios del siglo XX, Medardo Rosso se encontraba en la cumbre su experimentación artística y dedicado a la fotografía y al dibujo, que consideraba como la evolución natural de su investigaciones en cuanto a escultura, basándose en la obra de los fotógrafos Nadar (1820-1910) y Muybridge (1930-1940).
Medardo afirmaba que la fotografía “es una manera de pensar como si estuviera en el papel ”. Pero iba más allá de las cuestiones fundamentales, como la luz, el sentido de infinito, la transcendencia de la materia a través ella misma. Negando cualquier hipótesis de fijeza, de forma que se puede observar en su obra fotográfica un desarrollo protocinematográfico.
La comisaria de la exposición, Gloria Moure, que lo fue también de la primera antológica sobre el autor realizada en España en Santiago de Compostela en 1996, recordaba las palabras de Rosso: “La materia no existe, todos somos luz”. Y reflexionaba sobre su figura: “Fue un visionario que con su trabajo de carácter más experimental, justamente en el que se centra la muestra, plantea una ruptura de la visión artística que predominaba en la Europa de entre siglos”.

Mathieu Pernot, primera retrospectiva en España
Mathieu Pernot (Fréjus, Provenza francesa, 1970) estudió en la prestigiosa École Nationale Supérieure de la Photographie de Arles donde se graduó en 1996. Todavía sin acabar sus estudios, Pernot entró en contacto con la familia gitana de los Gorgan. Él no lo podía saber entonces, pero ese trabajo se convertiría en una obra de largo recorrido que le cambiaría la vida y marcaría su obra. En la exposición de Fundación Mapfre hay un gran espacio exclusivamente dedicado a Los Gorgan.
La muestra “Monumento/Documento”, que así se llama, recoge treinta años del trabajo del artista, toda su carrera profesional, y se ha diseñado teniendo en mente exclusivamente este espacio expositivo. Basa su nombre en la frase del filósofo francés Michel Foucault: “La historia transforma los documentos en monumentos”.
La fotografía de Pernot plantea más preguntas que respuestas, pues según el autor esa es la misión de la fotografía, y se percibe claramente es su obra, que se encuentra aquí articula en series, algunas de ellas inéditas. Éstas son: “Fotomatones” (1995-1997), la mencionada e inacabada “Los Gorgan” (1995-2023), con subseries dedicadas miembros concretos de la familia, “El fuego” (2013), también sobre la familia Gorgan, “Boxeadores” (1994), “Beirut” (2000), “Implosiones/Nubes” (2000-2006), “Un mundo feliz” (2005), “Los que gritan” (2001-2004), “La Santé” (2015-2023), “La ruina de su morada” (2019-2021) y “Melilla” (2022), un encargo de Fundación Mapfre.
En un próximo número de la edición impresa publicaremos un extenso artículo sobre Mathieu Pernot y su obra.

Para más información: https://www.fundacionmapfre.org/

Exposición fotográfica de imágenes realizadas con técnicas del siglo XIX, en la Fundación Museo Evaristo del valle de Gijón

Hasta el 15 de octubre de 2023 se celebrará en la Fundación Museo Evaristo del Valle, de Gijón (Camino de los Nardos, 136), la exposición “Hágase la luz. Técnicas fotográficas del siglo XIX en la creación contemporánea”, en la que se exhiben más de un centenar de obras del colectivo Slow Photo, formado por Jesús Limárquez, José Magano, Rubén Morales y José Manuel Poyatos. Todas ellas ha sido realizadas con técnicas fotográficas del siglo XIX, que sirvieron para poner los cimientos del arte y la técnica de esta disciplina, que ha llegado hasta nuestros días convertida en un hecho digital banal, en que la técnica no cuenta y el arte se encuentra por casualidad.

Slow Photo
Jesús Limárquez (Madrid, 1974), José Magano (Madrid, 1963), Rubén Morales (Madrid, 1976) y José Manuel Poyatos (Madrid, 1971) formaron el colectivo Slow Photo en 2013, para reivindicar una fotografía lenta, pausada y sin prisas. Una fotografía realizada por fotógrafos que no toman fotos, sino que las hacen, las crean. Para ello, nada mejor que recurrir a la técnicas primigenias, que obligan a trabajar con parsimonia y reflexión, teniendo en mente lo que se quiere llevar a cabo y conociendo muy bien unos procesos clásicos, que pueden resultar engorrosos al principio, pero que recuperan la esencia de la fotografía como expresión del ingenio y del alma humana. Entre ellas se incluyen: la cianotipia, el marrón vandyke, el colodión, el carbón, la kalitipia, la goma bicromatada, el papel salado y la gelatina de plata.

Una forma de entender el medio fotográfico
En palabras del Nicolás Cancio, comisario de la exposición: “Lo más importante en esta exposición no es mostrar una colección de imágenes, sino una forma de entender el propio medio fotográfico y, por tanto, una manera de ver la vida. Un grupo de personas que encuentran en el papel en blanco una oportunidad de construir”.

Para más información: https://evaristovalle.com/

Martín Chambi, en la Academia de Bellas Artes

Hasta el 7 de abril de 2024 se puede ver en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (calle de Alcalá 13, Madrid) la exposición fotográfica “La magia de Martín Chambi”, en la que se pueden contemplar diez obras del autor peruano, propiedad de la Academia.

Martín Chambi, de local a mundial
Martín Chambi nació el 5 de noviembre de 1891 en el pequeño pueblo de Coaza (hoy transcrito como Coasa), en el altiplano peruano. Tras su primer contacto con la fotografía en una mina de oro regentada por ingleses, donde él vendía alcohol, viaja a Arequipa a aprender el oficio de fotógrafo con Maximiliano Telésforo Vargas (1873-1959), que ya tenía un gran nombre como fotógrafo profesional. Posteriormente se establece por su cuenta en la propia ciudad y luego se traslada a Cuzco (en Perú, oficialmente Cusco) donde desarrolló su trabajo más importante. Su archivo fotográfico contiene cerca de 30.000 negativos. Se puede decir que Martín Chambi es el primer fotógrafo indígena que fue capaz de retratar a los indígenas con dignidad, al ser uno de ellos. Sus retratos son comparables a los que, en los años treinta, realizó August Sander, en Alemania.
Fallecido en 1973, su obra comenzó a ponerse en valor a raíz de la reivindicación que realizaron el también fotógrafo y estudioso de la cultura inca, doctorado en literatura española e inglesa, Edward Ranney (Chicago, Illinois, 1942), y el hijo mayor de Chambi, Víctor. Gracias a ello su obra llegaría hasta al Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, en 1979, y de ahí al resto del mundo.

Chambi en España
Chambi llegó a España cuando, por iniciativa de la editorial Lunwerg y de su entonces director Juan Carlos Luna Briñardeli, así como de Alejandro Castellote, entonces director del Área de Fotografía del Círculo de Bellas Artes. Juan Manuel Castro Prieto, junto con Juan Manuel Díaz Burgos, se desplazaron a Perú con más de 250 kilos de equipo fotográfico de laboratorio para poder positivar las placas originales de Chambi, que no podían salir del país. Gracias a ello, pudimos disfrutar de una magnífica exposición en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y del extraordinario libro “Martin Chambi, 1920 – 1950” con textos de Mario Vargas Llosa y Publio López Mondéjar, editado por Lunwerg y del que se hicieron ediciones en diversos idiomas.
Desde entonces se han organizado en nuestro país diversas exposiciones de este interesante autor peruano.

La magia de Martín Chambi
Desde su inauguración en 2019, con una exposición colectiva, la Sala de Fotografía del Museo de la Academia de Bellas Artes acoge periódicamente los fondos fotográficos de la propia Academia. Tras Ramón Masats (2019), Alberto Schommer (2019), Paco Gómez (2020), Xavier Miserachs (2021), Carlos Pérez Siquier (2021), Virxilio Viéitez (2022) y Francesc Catalá-Roca (2023), le toca ahora el turno a la obra de Martín Chambi, con el título “La magia de Martín Chambi”. Además de las diez imágenes del autor positivadas en Perú por Juan Manuel Castro Prieto, se exponen tanto otras imágenes como publicaciones procedentes de colecciones privadas: la familia Chambi, Juan Manuel Castro Prieto y el coleccionista Pedro Melero.
En la inauguración de la exposición glosaron la figura del artista, el director de la Academia, Tomás Marco, Víctor Nieto, académico delegado del Museo, y el académico e historiador de la fotografía, Publio López Mondéjar.
En la foto de la presentación podemos ver, de izquierda a derecha, a José María Luzón, académico bibliotecario, la fotógrafa y académica Isabel Muñoz, Publio López Mondéjar, Víctor Nieto, Tomás Marco y José Luis Turina, académico adjunto a dirección.

Para más información: https://www.realacademiabellasartessanfernando.com/

Tots els dies són meus, de Marta Sentís

Hasta el 19 de noviembre de 2023, se podrá ver en el Palau Solterra de la Fundació Vila Casas (Carrer de l'Església 10, Torroella de Montgrí, Girona) la exposición “Tots els dies són meus” (Todos los días son míos), de la fotógrafa Marta Sentís (Barcelona, 1949).

Un espíritu nómada
El espíritu nómada de Marta Sentís le llevó a viajar durante más de veinte años a lugares que van desde Oxford o Nueva York, hasta Florencia, el Cairo o Yemen. Esta exposición recoge más de doscientas de sus imágenes entre los años setenta y noventa. De alguna manera también fue nómada en su Barcelona natal, al documentar la ebullición artística de la ciudad durante los años setenta, lo que le puso en contacto con el exuberante “underground” o cultura alternativa del momento. Tan es así que llegó a ser foto fija de la mítica película de Ventura Pons “Ocaña, retrato intermitente”, que centrada en este irrepetible personaje de la contracultura barcelonesa sirvió para definir toda una época.

La exposición
La exposición, cuyo título hace referencia a un poema de Fernando Pessoa (“Si después de yo morir quisieran escribir mi biografía, / no hay nada más sencillo. / Hay sólo dos fechas; la de mi nacimiento y la de mi muerte. / Entre una y otra todos los días son míos”), se articula más o menos cronológicamente. Comienza con la serie “Oficios” de 1979, retratando básicamente en la calle a distintas personas en el ejercicio de su oficio en la ciudad de Barcelona. A continuación se centra en los movimientos contraculturales de la Barcelona de la Transición, que compatibiliza son sus series de collages, para centrarse de nuevo en los viajes, donde realiza una obra que se puede calificar, sin ambages, de humanista.
A mediados de los años noventa dejó la fotografía, que sólo retomó durante el confinamiento, que fue registrando fotografiando su jardín.

Una larga trayectoria
Inicialmente ninguneada por ser mujer, según afirma el comisario de la muestra, Alejandro Castellote, Marta Sentís ha expuesto su trabajo en galerías, que van desde la Spectrum de Zaragoza hasta el Centre Régional de la Photographie de Pas de Calais (Francia), y museos tan importantes como el Museum of Contemporary Photography de Chicago (EE UU) o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, donde participó en la exposición colectiva “Cuatro direcciones” en 1991.

Para más información: https://www.fundaciovilacasas.com

Presentación del catálogo de la exposición de Antoni Miralda “Cowboy’s Dream”

El 13 de septiembre de 2023 asistimos en el Circulo de Bellas Artes de Madrid (calle Marqués de Casa Riera, 4) a la presentación del catálogo de la exposición “Cowboy’s Dream” de Antoni Miralda, que estará allí hasta el día 17.

Ampliación de un proyecto
En la edición de 2022 de PHotoEspaña, ya pudimos disfrutar de la exposición del mismo autor y con el mismo comisario, Ignasi Duarte (Barcelona, 1976), “Do Not Cross. Miralda. Fotos inéditas 70’s/80’s”, que, compuesta por 54 fotografías en blanco y negro realizadas por Miralda en Estados Unidos durante los años setenta y ochenta del siglo pasado, podemos entender como un prólogo de la que en esta edición ocupa el Círculo de Bellas Artes.

“Cowboy’s Dream”
El catalán Antoni Miralda (Terrassa, 1942) tiene una larga trayectoria artística multidisciplinar, reconocida internacionalmente con prestigiosos premios y becas. Antes que otra cosa, Miralda fue fotógrafo en París para la revista de moda “Elle”, pero no se descubrió su trabajo personal hasta sesenta años después cuando, entre los miles de documentos de su archivo, Ignasi Duarte encontró unas cajas con cerca de 7.500 negativos inéditos. Este hallazgo histórico ha servido para reescribir en cierto sentido su carrera.
“Cowboy’s Dream” (Sueños de vaquero), que es como se llama la selección expuesta en el Círculo de Bellas Artes, es un relato elaborado con 116 fotografías, realizadas principalmente en el periodo que va de 1961 a 1991 en Europa y Estados Unidos, donde Miralda reside desde 1971, y que facilitan la comprensión del uso que el autor hace de la imagen cuando ésta se inscribe en el ámbito de lo estrictamente privado.
Además, se muestran 61 copias de época de las series de “Soldats Soldés”, que documentan las intervenciones públicas que el, entonces, joven artista realizaba con soldaditos de plástico. La muestra se completa con una selección de dibujos y obras sobre papel, fundamentales a la hora de poner en contexto la actividad de Miralda en los años en que realizó, de forma casual y sin darle mayor importancia, muchas de las fotos que ahora han salido a la luz.

Un magnífico catálogo
La presentación del catálogo fue realizada por el propio artista Antoni Miralda, el comisario de la exposición y descubridor de los negativos y contactos, Ignasi Duarte, y la escritora, fotógrafa y editora Mireia Sentís (Barcelona, 1947), vieja conocida del artista, que glosaron el proyecto. Además los diseñadores de libro Cecilia Gandarias y Bruno Lara, del estudio This Side Up, comentaron lo sencillo que fue su realización gracias a la claridad del trabajo previamente realizado en cuanto a selección y orden de las imágenes.
El publico asistente aplaudió emocionadamente la mención que artista realizó como colofón al recientemente fallecido director de PHotoEspaña, Alberto Anaut.

Una ceremonia pagana
Tras la presentación del libro, Antoni Miralda ofició a modo de hierofante un rito pagano de homenaje a Minerva —Atenea para los griegos—, diosa entre otras cosas de las artes y la sabiduría, cuya estatua preside la azotea del Círculo de Bellas Artes desde 1966.
Seguido de una sacerdotisa vestida de blanco, Miralda subió solemnemente las escaleras de los siete pisos que separan la planta baja del Círculo de Bellas Artes, donde está la exposición y tuvo lugar la presentación, de su azotea portando una pecera llena parte de su libro previamente sometido a una picadora de documentos.
Ante la diosa virgen, a quien Júpiter había parido por la cabeza, tras yacer con la titánide Metis, que éste había devorado cuando estaba embarazada de Minerva, el artista-hierofante y su acólita depositaron los restos papeleros sobre una mesa a la que después se añadió pan, aceite y sal para que los asistentes pudiese unirse a este moderno y clásico rito, no sin antes lanzar al aire algunos retazos de papel, a modo de libación abstemia. Una experiencia emocionante y única.
En la edición impresa de FV 291, a la venta a primeros del mes de noviembre, los lectores de la revista contarán con una información mucho más completa sobre Antoni Miralda, su arte y esta exposición.

Asghar Farhadi, expone por primera vez en España

Hasta el 10 de septiembre de 2023 se puede ver en el Centro Gallego de Arte Contemporáneo (Ramón de Ramón del Valle-Inclán 2, Santiago de Compostela, A Coruña) la exposición “La acera” del iraní Asghar Farhadi.
Se trata de la primera vez que se realiza en España una exposición sobre este autor, fotógrafo y cineasta.

El autor
Asghar Farhadi (Irán, 1972) está considerado como uno de los cineastas más importantes del siglo XXI, ha recibido un Globo de Oro, ¡dos Premios Óscar! y el gran premio del jurado del Festival de Cannes en 2021. Además, Farhadi es miembro de honor de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, donde rodó en 2018 “Todos lo saben”, con Javier Bardem, Penélope Cruz, Ricardo Darín y Bárbara Lennie.

La exposición
“La acera”, que es la obra que da título a la exposición, es una obra fotográfica de gran tamaño que se compone de cuatro murales de una calle de Teherán, transitada por su gente, fotografiada a lo largo de todo un año. A ésta, se añaden series fotográficas, en las que un paisaje introspectivo, habitado o deshabitado, sirve de hilo conductor en “una búsqueda que pareciera ir desde dentro hacia fuera y viceversa, desde el recogimiento a la expansión de la imagen”.

El centro
Desde 1993, el Centro Gallego de Arte Contemporáneo se ha convertido en un espacio de difusión cultural para dinamizar el panorama artístico actual y reflexionar sobre la diversidad de las conformaciones culturales en la sociedad contemporánea.

Para más información: https://museos.xunta.gal/es/cgac

Fernando Moleres reflexiona sobre el calentamiento global en el Ártico en la Wonder Photo Shop Barcelona

Hasta el 4 de noviembre de 2023 se puede ver en la Wonder Photo Shop que Fujifilm tiene en la ciudad de Barcelona (Gran de Gràcia, 1) la exposición de Fernando Moleres “Melting landscapes: La huella del deshielo”.

Antropoceno
Fernando Moleres (Bilbao, 1963) es un fotógrafo bien conocido por su trabajo especialmente en el campo de los derechos humanos, gracias a lo que ha sido galardonado en tres ocasiones con premios World Press Photo. Compatibiliza su labor profesional con trabajos más personales, y desde 2014 viene realizando un proyecto de largo recorrido denominado “Antropoceno”, centrado en las consecuencias que tiene la actividad humana en el planeta Tierra.
Antropoceno es un término que la UNESCO define para “designar las repercusiones que tienen en el clima y la biodiversidad tanto la rápida acumulación de gases de efecto de invernadero como los daños irreversibles ocasionados por el consumo excesivo de recursos naturales”.

Imágenes bellas y terribles
De este proyecto y para esta exposición, Moleres a ha realizado una selección de 23 fotografías centradas en el deshielo polar que se está produciendo como resultado de la actividad humana. Las imágenes, además de bellísimas, representan una descarnada descripción de un cambio climático que cada vez se hace más patente y que, llegados a este punto, puede ser ya imparable.

Para más información: https://wonderphotoshop.es/

Exposición “In Sub/urbia”, en la galería Blanca Berlín

Bajo el paraguas de PHotoEspaña 2023, la clásica galería madrileña Blanca Berlín (calle del Limón, 28) exhibirá entre el 25 de mayo y el 29 de julio de 2023 la exposición “In Sub/urbia”, que lleva por subtítulo “O cuando el suburbio se rebela contra la utopía”.

Distintos artistas, visiones variadas
Su comisario, Paco Barragán, la define como la reunión de “un grupo de destacados artistas (inter)nacionales que arrojan visiones fotográficas entre críticas, poéticas u oníricas sobre diferentes tipologías urbanas”. Así, las obras van desde los espacios interiores de aires intimistas y pictóricos de la alemana Alexandra Ranner y el español José Manuel Ballester, pasando por espacios de culto como la iglesia del australiano Darren Siwes y la española Chus García-Fraile, anodinas urbanizaciones de playa del español Sergio Belinchón, insospechados parkings y puentes a cargo del alemán Igor Mishiev y del español Aitor Ortiz, andamios y azoteas por el también alemán Martin Liebscher y el estadounidense Brad Temkin, los hangares de la NASA de la australiana Rosemary Laing o asépticos no-lugares fotografiados por el español Íñigo Lasheras.
Asimismo, “In Sub/urbia” es también una investigación que profundiza en las diferentes estéticas y unos lenguajes fotográficos de lo más variado. Mientras Rosemary Laing realiza una fotografía escenificada, Chus García-Fraile, Igor Mishiev, José Manuel Ballester y Aitor Ortiz se decantan por la fotografía manipulada con Photoshop, el aspecto documentalista-conceptual corre a cargo de Sergio Belinchón, Brad Temkin e Íñigo Lasheras, mientras que Alexandra Ranner realiza su trabajo a partir de maquetas; finalmente, Darren Siwes y Martin Liebscher investigan sobre la manipulación del tiempo de exposición.

Un lugar donde adquirir obra
Además, recuerden que la galería Blanca Berlín no sólo es un lugar donde poder disfrutar de la contemplación de estas obras de arte, sino que fundamentalmente es una galería comercial donde se puede adquirir obra fotográfica desde su apertura en 2007.

Para más información: https://blancaberlingaleria.com