Revista FV - Fotovídeo Actualidad

Fallece el fotógrafo valenciano Joaquín Collado

El pasado viernes 7 de febrero de 2025 falleció Joaquín Collado (1929-2025), fotógrafo valenciano cuya mirada única inmortalizó la Valencia de los años 70 y 80 del pasado siglo. Collado deja un legado que, a pesar de haberse mantenido en la sombra durante muchos años, llegó a ser finalmente reconocido como uno de los grandes cronistas visuales de su tiempo.

Reconocimiento tardío
Autodidacta en el arte de la fotografía, Collado comenzó su carrera en el mundo de la banca, pero pronto se unió a la Agrupación Fotográfica Valenciana (AGFOVAL), donde desarrolló su pasión por el medio. Su trabajo, sin embargo, no fue el de un fotógrafo convencional. A través de su cámara, Collado se acercó con un respeto profundo a los más desfavorecidos de la ciudad: desde los habitantes del Barrio Chino hasta la comunidad gitana de Nazaret, pasando por los días laboriosos del rastro. Con su mirada humanista, no sólo captaba momentos fugaces, sino también realidades humanas.
Fue en gran medida desconocido durante gran parte de su vida, y su obra solo comenzó a recibir el reconocimiento que merecía a partir de la década de 2010, con exposiciones destacadas como “La Valencia olvidada”, en el MUViM (Museu Valencià de la I·lustració i la Modernitat) de Valencia —de la cual tuvimos el privilegio de publicar un porfolio en la edición impresa de FV 236—, y la presentación de su serie sobre el Barrio Chino en París, que primeramente se pudo ver en el Instituto Francés de Valencia y en la también valenciana Galería Railowsky, en 2014. El IVAM adquirió varias de sus fotografías, y, con el tiempo, llegó a ser nombrado Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos, en 2015, un reconocimiento que le llegó ya en sus últimos años de vida, cuando su obra había alcanzado una valoración renovada.
A Joaquín Collado seguramente se le recordará como el fotógrafo de los olvidados, el que, con su discreción y cercanía, se convirtió en el cronista de una Valencia ya extinta, pero que, gracias a él, perdurará para siempre.

Manifiesto Robert Capa

Como colofón del Encuentro Internacional Robert Capa y la Memoria de Europa, los días 19 y 20 de noviembre de 2024, del que ya les informamos, se hizo público el siguiente manifiesto:

Manifiesto Robert Capa

Los abajo firmantes, reunidos en el Encuentro Internacional Robert Capa y la Memoria de Europa, celebrado en Madrid los días 19 y 20 de noviembre de 2024, declaramos lo siguiente:

• Que Robert Capa (Budapest, 1913 - Thái Bình, Vietnam, 1954) es una figura esencial de la cultura europea. Su trabajo como fotoperiodista representa una de las contribuciones más profundas y necesarias para comprender la historia del continente en el siglo XX.

• Que sus reportajes de guerra exponen el nacimiento de la barbarie moderna, aquella violencia destructiva impulsada por el ser humano, y nos llaman a unir esfuerzos en favor de la Paz. En un mundo donde la convivencia internacional se quiebra día tras día ante nuevos conflictos entre naciones, la obra de Capa nos recuerda la urgencia de trabajar juntos por un futuro sin guerras.

• Que sus imágenes son pilares de la memoria de Europa. Lo demuestran las iniciativas ciudadanas en ciudades como Leipzig y Madrid, así como el trabajo desarrollado por el Museo Robert Capa de Troina y el Robert Capa Contemporary Photography Center de Budapest, que, a través de las fotografías de Capa, han logrado preservar espacios de memoria en aquellos lugares marcados por el horror de la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial. En estos espacios, las fotografías de Capa continúan testimoniando los traumas y lecciones de nuestro pasado reciente.

• Que es voluntad de todos los firmantes impulsar la creación de una red europea de colaboración en torno a la figura de Robert Capa y el fotoperiodismo, una plataforma que mantenga vivo su legado y promueva la conservación de la memoria histórica de los desastres causados en Europa por los totalitarismos. Esta red será un baluarte en defensa de la Paz y un homenaje permanente a quienes documentaron los horrores de la guerra para que no se repitan.

• Que, como primer paso de la voluntad expresada, sumamos nuestro apoyo al proyecto presentado por la Plataforma #SalvaPeironcely 10 para que el Ayuntamiento de Madrid cree el Centro Robert Capa, como parte esencial de la memoria histórica común europea.

Lo firmaron:
Cynthia Young, ex conservadora del archivo Robert Capa en el International Center of Photography; István Virágvölgy, director artístico del Robert Capa Contemporary Photography Center; Ulf-Dietrich Braumann, Capa Haus de Leipzig; Meigl Hoffman, Capa Haus de Leipzig; Michel Lefebvre, redactor jefe de Historia de Le Monde Magazine; Javier Baeza, plataforma #Salva Peironcely10; Tomás Zarza, plataforma #Salva Peironcely10; Miguel Sánche-Moñita, plataforma #Salva Peironcely10; Tomás Zarza, plataforma #Salva Peironcely10; Juan Miguel Sánchez Vigil, plataforma #SalvaPeironcely10; Uría Fernández, plataforma #SalvaPeironcely10; Maso Heck, jefe de Arte de Innocean Berlin; Luis García-Purriños, ex director de arte junior de Innocean Berlín; Susana Fortes, autora de Esperando a Robert Capa; Fernando Olmeda, autor de Gerda Taro, fotógrafa de guerra: el periodismo como testigo de la historia; Florent Silloray, autor de Capa, estrella fugaz; Carlos Vega Hidalgo, Grupo de investigación Fotodoc de la UCM; Beatriz Obis Aguilar, técnica de Turismo del Ayuntamiento de Aitona ; Inmaculada Silas Márquez, teniente de alcalde del Ayuntamiento de Espejo; Fernando Alcalde Rodríguez, investigador; José Latova Fernández-Luna, fotógrafo; Fernanda Chandler, fotógrafa y artista visual; Luis de Vega, periodista y fotógrafo de El País; Gervasio Sánchez, Premio Nacional de Fotografía; María Olivera Zaldúa, decana de la Facultad de Ciencias de la Documentación de la Universidad Complutense de Madrid (UCM); Cristóbal Fernández Muñoz, vicedecano de Comunicación y Relaciones Internacionales de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid; Alicia Parras, Grupo de Investigación Fotodoc de la UCM; Lara Nebreda Martín, Grupo de Investigación Fotodoc de la UCM; Antonia Salvador Benítez, Grupo de Investigación Fotodoc de la UCM; Roberto García Fernández, Fundación Anastasio de Gracia; y el investigador Julio García Moutón (@Pennypol).

Ha fallecido Juan Mariné, mito del cine español

Ayer, 17 de febrero de 2025, falleció en Madrid Juan Mariné Bruguera (Barcelona 1920), a los 104 años. Su desaparición marca el fin de una era en la historia del cine español del siglo XX. Su figura, que ha hecho historia y era historia viva, fue esencial en la cinematografía española y, además, tuvo y tendrá un lugar en la mundial. Mariné destacó tanto por su dilatada carrera como director de fotografía de cine, aunque a sus comienzos, en plena Guerra Civil —pertenecía a la llamada “Quinta del biberón”—, fueron como fotógrafo. Además, realizó un valiosísimo trabajo en la restauración de películas de cine, labor que permitió salvar numerosas películas españolas consideradas perdidas, gracias a la utilización de una máquina de su invención, la cual se encuentra en la actualidad depositada en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM).

Un comienzo de película
Mariné comenzó su carrera a una edad temprana. Con sólo 14 años se inició en la industria cinematográfica al participar en el rodaje de “El octavo mandamiento”, dirigida por el suizo Arthur Porchet (1879-1956), en 1935. Su conocimiento del francés y su desparpajo hicieron que lo que era una mera entrega física de unas cámaras de cine a los profesionales que participaban de la película, como mero transportador de las mismas, se convirtiese en el primer paso de una carrera cinematográfica larga y brillante.
Trabajó en más de 150 producciones como director de fotografía y encargado de efectos visuales, entre las que destacan “Cuatro mujeres” (1947), su primera película como director de fotografía, “El santuario no se rinde” (1949), “El batallón de las sombras” (1956), “La gran familia” (1962), “Crimen imperfecto” (1970), “Supersonic Man” (1979) y “La grieta” (1989), su última película.

Invenciones y premios
Además de cineasta, Juan Mariné fue el inventor del “Formato Mariné”, una innovación patentada en 1964, que hacía que, con menos perforaciones, se aprovechase al máximo la superficie del fotograma.
Su talento y sus capacidades técnicas y artísticas le hicieron acreedor a numerosos premios. El último, el Goya de Honor en 2024 “por una vida entera dedicada al cine”. Lamentablemente no pudo recoger el premio, debido a su delicado estado de salud, que se vio muy quebrantada durante la última pandemia y el confinamiento implícito. Hasta entonces, mantenía una actividad febril, participando en actos, charlas, conferencias y homenajes, que alternaba con su asistencia diaria a la ECAM. Justamente en 2020, año de la pandemia y de su centenario, la Filmoteca Nacional le dedicó un ciclo del que no pudo disfrutar. Sólo pudo asistir a la primera proyección en febrero, pues en marzo empezó el confinamiento por la covid y la debacle.
A lo largo de su carrera, había recibido, entre otros, el Premio Nacional de Cinematografía, el Premio Nacional de Fotografía, la Medalla de Oro de la Academia y la Medalla de Oro de las Bellas Artes.

Restaurador
Sus últimos tiempos los había dedicado a la restauración de películas, para lo que había desarrollado su propia maquinaria, incluidas una copiadora óptica y una máquina de lavar negativos, que le permitieron salvar muchas películas que se habían dado por perdidas: “Imposible es algo que se tarda un poco más en conseguir", era su lema. Una frase que reflejaba su actitud perseverante ante los retos técnicos y artísticos que le planteaba su trabajo.

Una larga historia
Además de su faceta como director de fotografía y restaurador, Juan Mariné estuvo presente en momentos históricos fundamentales. Como hemos informado extensamente en varios artículos que le dedicamos en FV, fue fotógrafo de guerra con Enrique Líster y afiliado al sindicato CNT. En este momento, era el único superviviente de los camarógrafos que filmaron el funeral del líder anarquista Buenaventura Durruti, el 23 de noviembre de 1936, testimonio visual de una enorme manifestación de duelo, que se convirtió en un hito.
La obra y el legado de Juan Mariné han sido objeto de diversas publicaciones y documentales, entre ellos “Juan Mariné. Un siglo de Cine”, de María Luisa Pujol (2020); “Juan Mariné: la aventura de hacer cine”, de Primitivo Pérez Martínez (2014); y “El submariné”, de Wenceslao Scyzoryk (2017), este último quizá el más entrañable. “El submariné” era como cariñosamente llamaban los alumnos de la ECAM al laboratorio de Mariné en los subsuelos de la escuela. En ellos, se repasa su incansable labor, su amor por el cine y su dedicación a la preservación de una parte fundamental de la memoria cultural de España.
Juan Mariné nos deja un legado indeleble, que inspira no solo a quienes aman el cine, sino también a aquellos que se esfuerzan por preservarlo para las futuras generaciones. Su vida y obra seguirán siendo una referencia fundamental en la historia del cine español.

El Museo Ramón Gaya de Murcia recibe la colección fotográfica de Juan Guerrero

El Museo Ramón Gaya, dependiente del Ayuntamiento de Murcia, ha recibido un legado fotográfico que, entre otras cosas, muestra a destacadas personalidades de la Generación del 27. Esta colección fotográfica originalmente perteneció a Juan Guerrero Ruiz, a quien Federico García Lorca definiría como “Cónsul general de la poesía española”.

Legado histórico
Este legado fotográfico, que está compuesto por 1.131 negativos y 33 ampliaciones, proviene de una donación realizada por Guadalupe Ríos, alicantina de 83 años y amiga de la viuda de Juan Guerrero Ruiz, Ginesa Aroca García, quien tras el fallecimiento de su marido le entregó las fotos. Recientemente, Guadalupe Ríos puso este hecho en conocimiento del historiador Juan Manuel Bonet Planes, quien le sugirió que lo donase al museo murciano Ramón Gaya.
Algunas de las imágenes, que están datadas y van desde 1927 a 1953, son retratos de además de escritores, otros artistas y políticos. Pero, además se incluyen algunas fotos familiares, paisajes de distintos lugares de España y varias fotografías captadas en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid, donde, entre otros, concedieron, por ejemplo, Buñuel, Lorca y Dalí.

Juan Guerrero
Juan Guerrero Ruiz (Murcia, 1893-Madrid, 1955) estudió Derecho en Granada y desarrolló una destacada carrera en la Administración, pasando por diferentes destinos en los Ayuntamientos de Murcia, Alicante y, finalmente, tras la Guerra Civil, en Madrid, donde falleció.
El “Cónsul general de la poesía española”, como lo llamó Lorca en la dedicatoria en su poema “Romance a la Guardia Civil española”, de su “Romancero gitano”, conoció a Juan Ramón Jiménez en 1913, tras lo que comenzó una entrañable amistad, algo que le abrió las puertas a relacionarse con los principales autores de la Generación del 27.
Tras la Guerra Civil, ya en Madrid, fundó la Editorial Hispánica, creó la colección de poesía Adonais y el Premio Adonais, y se convirtió en un importante puente entre los escritores que permanecieron en España y los que se exiliaron, destacando su relación con Juan Ramón Jiménez y su apoyo a las nuevas generaciones de escritores.

Para más información: https://www.museoramongaya.es/

Mónica Carabias Álvaro, nombrada directora del Centro Nacional de Fotografía

El Ministerio de Cultura ha designado a Mónica Carabias Álvaro (Madrid, 1969) como primera directora del Centro Nacional de Fotografía (CNF), ubicado en la ciudad de Soria. Este Centro es institución todavía en desarrollo, que tiene como objetivo consolidarse como referente en la preservación y promoción del patrimonio fotográfico español, ya que “la fotografía se constituye como una de las expresiones de mayor trascendencia de nuestra cultura en una doble vertiente de documento y de obra de arte. Es transmisora de la memoria del pasado, del que, ocasionalmente, no hay otro tipo de documentación; y es testigo de los cambios sociales, artísticos y de los episodios históricos de los últimos ciento cincuenta años”, como recoge el texto del Real Decreto de su creación. Mónica Carabias, reconocida por su sólida trayectoria académica y profesional en el ámbito de la fotografía y la historia del arte contemporáneo, liderará este ambicioso proyecto cultural, que tendrá su sede en el emblemático edificio de la antigua sede del Banco de España en capital soriana.

Mónica Carabias
Mónica Carabias es doctora en Historia del Arte Contemporáneo, con especialización en conservación y restauración del patrimonio arquitectónico, así como profesora titular) de estudios avanzados en historia del arte español e historia en arte contemporáneo y cultura visual, en la Universidad Complutense de Madrid (UCM. Carabias ha dirigido el Instituto Complutense de Investigaciones Feministas (INSTIFEM), desde 2023. Asimismo, está especializada en historia de la fotografía en España como instrumento para la construcción visual de la memoria histórica en el siglo XX y en el papel de la mujer en el desarrollo fotográfico.

CNF
La creación del CNF responde a una demanda histórica del sector cultural, que se hizo especialmente evidente con la formación en 2021 de la Plataforma Centro de Fotografía e Imagen. Esta iniciativa subraya la necesidad de contar con un espacio especializado en la conservación, exhibición y estudio de la fotografía. Se espera que el centro, cuya inauguración está prevista para 2026, se convierta en un referente cultural en el ámbito de la fotografía, tanto en España como a nivel internacional.
Ubicado en Soria, el CNF ocupará 3.573 metros cuadrados, distribuidos en cuatro plantas del antiguo Banco de España, edificio que será adecuado a sus nuevas funciones, gracias a una inversión de 8,5 millones de euros.

Inauguración en Blanca Berlín

El pasado 15 de noviembre de 2024 asistimos a la inauguración de dos nuevas exposiciones en la galería Blanca Berlín (calle del Limón, 28, Madrid), donde permanecerán hasta el 11 de enero de 2025, como ya informamos aquí.
Se trata de “Maroc, un temps suspendu”, de la fotógrafa hispano-francesa FLORE, y “En la movida”, con obras de Antonio Lafuente, Miguel Ángel Mendo y Óscar Mariné.
A la inauguración asistió una gran cantidad de público que llenó la galería. Ambas exposiciones fueron detalladamente glosadas por sus respectivos autores.

FLORE
El trabajo de la fotógrafa hispano-francesa FLORE (1963) es onírico y evocador. La mayor parte de las imágenes de “Marruecos, un tiempo suspendido” pertenecen a un viaje por el país norteafricano que rememora el que hizo en su infancia junto con su madre, después de que su padre las abandonara el puerto de Tánger, a finales de los años sesenta. En sus propias palabras, representan una verdad que va más allá de la mera realidad. Captadas con una cámara polaroid y traspasadas a papel de forma artesanal por la propia fotógrafa, incluyen un acabado con polvo de nácar que es imposible de reproducir por medios fotomecánicos o fotográficos. Hay que contemplar la obra física para hacerse una idea de su acabado.
Esta exposición se completa con una serie dedicada a Indochina, donde su madre pasó su infancia junto con sus abuelos, cuando aquella zona del mundo estaba bajo la influencia francesa.

En la Movida
Como confesaron los autores de la otra parte de la presente muestra en la galería y la propia Blanca Berlín, estuvieron dudando sobre el título, “En la Movida”, ya que ellos no se consideran miembros de aquel movimiento. En cualquier caso, como hemos dicho ya muchas veces aquí, “La Movida”, además de un movimiento, por cuestionado que esté, ha dado nombre a un periodo histórico de la creación en España, que recoge individualidades y colectivos de lo más heterogéneos, que tienen en común la ruptura cultural con lo anterior en un momento que políticamente se discutía entre reforma y ruptura. Al contrario que en la creación, en la política ganó la reforma.
Los tres artistas que exponen sus obras son los madrileños Antonio Lafuente (1948), Miguel Ángel Mendo (1949) y Óscar Mariné (1951).
De Óscar Mariné poco podemos decir ya que es un acreditado diseñador con una larga carrera. En Blanca Berlín se exhibe obra gráfica de sus primeros tiempos, tanto los originales que se pueden ver colgados, como tirajes numerados a precios más asequibles.
Por su parte, Antonio Lafuente y Miguel Ángel Mendo han tenido carreras no estrictamente centradas en la fotografía, pero sí en la creación, tanto literaria como de imagen. Lo que se puede ver en la galería Blanca Berlín son las obras de su juventud, cuando junto con Félix Lorrio (Madrid, 1948), que se incorporó posteriormente, formaban parte del Equipo Yeti, grupo activo entre los años 1975 y 1979, aproximadamente.
Ambos autores presentaron detalladamente sus obras, que incluyen además de fotos coloreadas, tanto originales, como en nuevos tirajes, carteles y collages de la época. En su propia confesión, las fotos coloreadas más que ser una opción estética eran una opción económica, ya que el revelado y positivado de película en color tenía precios prohibitivos, por lo que resultaba mucho más a cuenta colorear las fotos que positivaban en blanco y negro. Según rememoraban, por aquel entonces la casa donde vivían de alquiler se había convertido en una “comuna vertical”, en cuya puerta terroristas de ultraderecha depositaron un bomba que milagrosamente no causó víctimas.

Para más información: www.blancaberlingaleria.com

Fujikina Barcelona 2024, balance final

Tras su paso por Berlín y Arles, la feriaFujikina recaló en Barcelona los días 16 y 17 de noviembre pasados. Este gran acontecimiento fotográfico se celebró en el Teatre Nacional de Catalunya, de la capital catalana. Este encuentro reunió a fotógrafos de renombre internacional, profesionales y aficionados.
Con el lema “Más que Full Frame” (Más que formato completo), Fujikina 2024 ha trascendido la mera tecnología fotográfica para adentrarse en los aspectos más profundos de la creación visual. Grandes nombres, como Martin Parr, Cristina de Middel y Eugenio Recuenco, han compartido sus visiones personales y sus procesos creativos con los asistentes a sus charlas.

La fotografía como herramienta de expresión y compromiso social
Uno de los hilos conductores de Fujikina ha sido la importancia de la fotografía como medio para contar historias y generar un impacto social. Fotógrafos como Estela de Castro han utilizado su trabajo como medio de denuncia y para visibilizar realidades a menudo silenciadas.
De Middel, que recientemente ha recogido el Premio Princesa de Asturias en nombre de Magnum, la agencia que dirige, abogó por “cultivar la opinión y que esa opinión se refleje en las fotografías que tomamos”. Por su parte el mítico fotógrafo británico Martin Parr, conocido por su sentido del humor y su fascinación por lo cotidiano, busca “reacciones, no cambiar mentalidades ni actitudes” con sus imágenes. Finalmente, para Eugenio Recuenco, que explicó la génesis y desarrollo de su proyecto “365°” (véase la edición impresa de FV 262), “la fotografía es emoción y el fotógrafo tiene que tener una propuesta que compartir, una historia que contar, para que el público la disfrute”.

Más allá de las cámaras
Fujikina no solo ha sido un espacio para la inspiración, sino también para la innovación. Los asistentes han podido probar las últimas novedades de Fujifilm, tanto cámaras digitales de formato medio y APS-C como instantáneas, así como disfrutar de talleres prácticos. Además, Fujikina ofreció acceso gratuito a la exposición World Press Photo 2024, que se exhibe en el CCCB de Barcelona, promoviendo el debate y la reflexión sobre temas de actualidad a través de la fotografía.
Según Eduardo López, director de Imaging de Fujifilm España, “Desde Fujifilm impulsamos la cultura fotográfica y la pasión por la fotografía a través de iniciativas de distinta índole. Gracias a la celebración de la Fujikina Barcelona hemos podido reunir a los fotógrafos más destacados del momento, acercando la fotografía no sólo a profesionales y aficionados, sino a la generación más joven, que ve en la fotografía una nueva vía de comunicación y expresión”.

Un futuro prometedor para la fotografía
El éxito de Fujikina Barcelona 2024 demuestra que la pasión por la fotografía sigue creciendo. La diversidad de temáticas abordadas, desde el fotoperiodismo hasta la fotografía artística, ha dejado claro que la imagen sigue siendo una herramienta fundamental para comunicar, emocionar y conectar con los demás.
Ha resultado ser una estupenda plataforma para la inspiración, el aprendizaje y la conexión entre amantes de la fotografía.

Para más información: http://fujifilm-x.com/es-es/special/fujikina-barcelona/

Daniel Canogar ingresa en la Academia de Bellas Artes

El pasado 10 de noviembre de 2024, Daniel Canogar (Madrid, 1964) ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, con un discurso titulado “Miradas cautivas: fantasmagorías tecnológicas, electrónicas y artísticas”. La contestación al nuevo académico estuvo a cargo de la catedrática de arte contemporáneo y académica Estrella de Diego.

Una larga trayectoria en el mundo de la imagen entre España y Estados Unidos
Daniel Canogar ha desarrollado su formación y trayectoria artística a caballo entre España y Estados Unidos. Sus inicios fueron en el campo de la fotografía, para evolucionar después hacía instalaciones y otros experimentos con la imagen, proyecciones y juegos de luces, hasta llegar al diseño de algoritmos basados en datos y estímulos.
Estudió Ciencias de la Imagen en la Universidad Complutense de Madrid y, además, tiene un master en Arte, con especialización en Fotografía, por la Universidad de Nueva York y el International Center of Photography. Asimismo, ha recibido numerosas becas y premios. Asimismo, sus obras se han exhibido en exposiciones individuales y colectivas por todo el mundo, además de formar parte de los fondos de las colecciones permanentes de diversos museos e instituciones nacionales e internacionales.

Para más información: https://www.realacademiabellasartessanfernando.com/