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Última actualizaciónMar, 28 Jul 2026 6am

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“Raíles y palabras. Haikus y tankas ferroviarios”, en el Museo del Ferrocarril de Madrid

El Museo del Ferrocarril de Madrid (ubicado en la antigua estación de Delicias, Paseo de Delicias, 61) presenta, hasta el 13 de septiembre de 2024, la exposición temporal “Raíles y palabras. Haikus y tankas ferroviarios”, en la que se combinan el ferrocarril, la fotografía y la poesía de forma muy sutil. Basada en el libro homónimo de Anna Espí y Jordi Font i Agustí, la exposición no dejará indiferente a ningún visitante.

Poesía e imagen se dan la mano en el ferrocarril
“Raíles y palabras. Haikus y tankas ferroviarios” se basa, como hemos ya mencionado, en un libro previamente publicado en edición bilingüe, en catalán y castellano, editado por la Associació Cultural de Poesia Pont del Petroli de Badalona (Barcelona), en la que se recogen las fotografías de Anna Espí Boscà (1955) y los poemas de estructura japonesa, haikus y tankas, de Jordi Font i Agustí (1955).
No se trata de unos textos que expliquen las imágenes, ni de unas fotos que ilustren unos poemas, sino de un “proceso de fusión total en el que dos lenguajes artísticos dialogan y conforman un tercer lenguaje”, todo ello alrededor del ferrocarril, sobre que el Jordi Font i Agustí ha escrito varios libros.

Para más información: https://www.ffe.es/

La exposición “pq hacemos lo q hacemos?”, en el Museo Cerralbo

El Museo Cerralbo (calle Ventura Rodríguez, 17, Madrid) acoge la exposición “pq hacemos lo q hacemos?”, del joven artista canario (Santa Cruz de Tenerife, 1993) ‘filip custic’, de origen croata. Esta exposición forma parte de la sección oficial de PHotoEspaña 2024 y se podrá ver hasta el 29 de septiembre de 2024.

pq hacemos lo q hacemos?
‘filip custic’ (lo escribe con minúsculas) es el nombre artístico de Filip Custic Braut, quien comenzó su andadura como fotógrafo antes de cumplir los veinte años. Desde entonces, su obra ha evolucionado hacia otras artes visuales, así como la escultura y las “performances”. La exposición “pq hacemos lo q hacemos?”, que podemos ver en el Museo Cerralbo, funciona a modo de retrospectiva de su corta pero intensa carrera artística, con un planteamiento sobre la identidad como cuestión existencial: quiénes somos.

Una carrera corta, pero intensa
‘filip custic’ ha visto expuestas sus obras, entre otros lugares, en la Fundación César Manrique (Lanzarote), Caixaforum (Barcelona), La Térmica (Málaga), el Festival Internacional de Manchester, la James Fuentes Gallery (Nueva York), el Museum der bildenden Künste (Leipzig), el PARCO Museum (Tokio), el Espacio Cultural CajaCanarias y fue seleccionado en 2023 para el Directorio Artístico de la revista digital Aesthetica Magazine, cuyos reportajes en profundidad destacan a los profesionales más innovadores del arte, la arquitectura, la fotografía y el diseño.
En 2018, se encargó del diseño visual de “El mal querer”, segundo álbum de la cantante y compositora Rosalía (Rosalía Vila Tobella, San Esteban Sasroviras, Barcelona, 1992). Tres años después se encargó de “Montero (Call Me by Your Name)”, de Lil Nas X, que llegó al número uno de la lista Billboard Hot 100, en la cual se registran los éxitos musicales de los 100 sencillos más vendidos en los Estados Unidos.

Para más información: https://filipcustic.com/

Bernard Plossu, en el Centro del Carmen de Valencia

El fotógrafo francés Bernard Plossu expone en el Centro del Carmen (calle del Museu, 2, Valencia) su obra titulada “España en color fresson”, que se podrá ver hasta el 15 de septiembre de 2024. El comisario de la misma es Juan Pedro Font de Mora.

Papel fresson
Bernard Plossu es un fotógrafo francés nacido en Vietnam, en 1945. Tiene una larga y reconocida trayectoria, tanto en su país como internacionalmente. La serie que se expone aquí, está compuesta de copias realizadas mediante el proceso de papel fresson, que debe su nombre a Thèodore Henri Fresson. En cierto sentido, se trata de un método parecido al de la goma bicromatada o al proceso al carbón, ya que se trata de sensibilizar con dicromato una gelatina que se extiende sobre un papel de calidad. José Ortiz Echagüe lo utilizó extensivamente a lo largo de toda su obra.
La muestra del Centro del Carmen recoge unas ochenta imágenes captadas por toda España. La organización ha declarado: “Esta muestra nos descubre a un Plossu esplendoroso, apoyado por las fantásticas texturas de estas copias impresas con la técnica fresson y nos invita a introducirnos en un mundo mágico, onírico y romántico. Una verdadera explosión de color”.

Palabras del fotógrafo
“Para mí en estas fotografías no importa el lugar, es el sentimiento de que es España, un barranco en Albarracín, el cabo de Creus en Cataluña, un poste eléctrico en Huérmeda, una farmacia pintada de verde, una vitrina antigua, una cámara vieja, o una puerta azul en una calle geométrica. Es mi sentimiento visual de lo que es España, no son documentos como pudiera hacer National Geographic, es la visión personal de un fotógrafo enamorado de un país”, ha declarado el fotógrafo.

Para más información: https://www.consorcimuseus.gva.es/exposicion/bernard-plossu-espana-en-color-fresson/

“40 años no es nada”, de Paco Manzano, en el festival Folk Segovia

El festival Folk Segovia cumple su cuarenta aniversario y lo celebra con una exposición fotográfica de Paco Manzano, en la que se recogen más de 220 fotografías de los grupos, músicos y artistas que, desde 1984 hasta la edición del año pasado, han participado en el mismo. La exposición se podrá ver hasta el 14 de julio de 2024, en las salas de la Alhóndiga (c/ de la Alhóndiga, 10, 40001 Segovia).

Paco Manzano
Paco Manzano (La Solana, Ciudad Real, 1955), cuyas imágenes han sido portada de gran cantidad de discos, no sólo es el fotógrafo de la movida flamenca de los años ochenta, si no que su labor fotográfica se ha extendido a otro palos musicales, como el de la música folk. Buena muestra de ello es esta exposición, titulada “40 años no es nada”, que reúne su trabajo de las últimas cuatro décadas en este festival de referencia para la música folk, el cual se celebra todos los veranos en Segovia.

Folk Segovia
El festival Folk Segovia, que se celebra desde el jueves 4 hasta el domingo 7 de julio de 2024, lleva cuarenta años programando lo mejor de la música del folclore popular y de fusión, tanto de artistas consagrados como de grupos emergentes.
Además de los conciertos y la exposición, el festival de este año se complementa con conferencias, talleres y pasacalles.
La fiesta para conmemorar las cuatro décadas de Folk Segovia se celebrará el sábado 6 de julio por la noche en el jardín de los Zuloaga. En la misma actuarán Eliseo Parra, Germán Díaz, Manuel Luna, Carlos Soto, Carmen María Martínez y Nuevo Mester de Juglaría, entre otros.

Para más información: https://folksegovia.es/2024.htm

“Barrios. Madrid 1976 –1980”, de Javier Campano

La exposición “Barrios. Madrid 1976 –1980”, de Javier Campano (1950), que ilustra esta interesante época de los primeros años de la Transición, se podrá ver en la Sala El Águila (calle Ramírez de Prado 3, Madrid), hasta el 8 de septiembre de 2024. La misma ha sido organizada por la Comunidad de Madrid, por la comisaria a Ana Berruguete, directora de exposiciones de La Fábrica.

Blanco y negro
No fue hasta el año 2010 cuando Javier Campano se volcó en la fotografían en color. Hasta entonces, la mayor parte de su obra la había desarrollado en blanco y negro. Esta exposición muestra fotos inéditas en blanco de un periodo singular en la vida de España, los primeros años de la Transición, centrado en algunos de barrios más populares del extrarradio de Madrid. Pero también alguno del centro, como el de Lavapiés, que hasta su reciente gentrificación también había sido uno de los más populares de la capital.

Un ojo perspicaz
El ojo perspicaz de Campano nos transporta a esos años. Resulta muy tierno constatar un motivo bastante repetido en sus imágenes: los niños. Unos niños que juegan en descampados y que se muestran felices en su inocencia infantil. Esos niños que hoy están a punto de ser sesentones. Asimismo, y de manera sutil, Campano pone de manifiesto los problemas urbanísticos y sociales de la época, con el auge del movimiento vecinal, que tantas reivindicaciones vio satisfechas en los años siguientes, y que hoy no es más que una pálida sombra de lo que fue.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2024/exposicion-photoespana-barrios-madrid-1976-1980-javier-campano

"Europa, 1966-1967”, de Joel Meyerowitz

El Museo Picasso de Málaga (Palacio de Buenavista, c/ San Agustín, 8) expondrá hasta el 15 de diciembre de 2024 la exposición “Europa, 1966-1967”, del fotógrafo norteamericano Joel Meyerowitz.

Del blanco y negro al color
Tras abandonar en 1962 su trabajo como director artístico en una agencia de publicidad, Joel Meyerowitz (1938) comenzó a fotografiar Nueva York, su ciudad natal. Inspirado por Robert Frank, Henri Cartier-Bresson y Eugène Atget, Meyerowitz alternó originalmente la fotografía en blanco y negro con el color. En una época en la que la fotografía en color no se consideraba lo bastante “artística”.

Seis meses en Málaga
En 1966, Meyerowitz realizó un viaje de un año por carretera por toda Europa, a través de diez países, durante el que hizo unas 25.000 fotografías. De ese tiempo de viaje, unos seis meses los pasó en Málaga, donde se hizo amigo de la familia gitana de los Escalona, de gran tradición flamenca.
Esta exposición, que incluye copias de época en gran formato, tanto en color como en blanco y negro, hace un amplio recorrido de los viajes de Meyerowitz por Inglaterra, Gales, Irlanda, Escocia, Francia, España, Alemania, Turquía, Grecia e Italia. Pero, desde luego, la estrella principal de la misma es Málaga, donde tanto tiempo pasó.
Asimismo, la exposición exhibe una selección de copias originales de su primera exposición individual en el MoMA, en 1968, y se complementa con coloquios, mesas redondas y actividades relacionadas con el flamenco.
En la edición impresa de FV 296, que aparecerá a finales de agosto, publicaremos un amplio reportaje sobre la misma.

Para más información: https://www.museopicassomalaga.org/

Primera gran retrospectiva de Iwan Baan, en el Museo ICO

Retrato de Iwan Baan en la exposición del Museo ICO. Fotografía: © José Luis de la Parra

Hasta el 8 de septiembre, como parte de la sección oficial de PhotoEspaña, se podrá ver en el Museo ICO (Calle Zorrilla, 3, Madrid) la primera gran exposición retrospectiva del fotógrafo holandés Iwan Baan, especialista de gran renombre de la fotografía arquitectónica.

Instantes en la arquitectura
La exposición, titulada “Iwan Baan. Instantes en la arquitectura”, promovida por el museo alemán Vitra Design Museum, se divide en cuatro secciones: “Perspectivas”, “China”, “Ciudades” y “Continuidades”, a través de las que se muestran obras de Iwan Baan (1975) realizadas desde principios de este siglo hasta la actualidad. Las imágenes expuestas van desde las que se pueden considerar como retratos oficiales de monumentos arquitectónicos, hasta imágenes de Manhattan tras el huracán Sandy, en 2012. Además, se complementa con material fílmico e imágenes hasta ahora poco conocidas de construcciones informales, que van desde un poblado circular chino hasta una iglesia etíope tallada en la piedra, o desde los bloques de pisos de construcción propia en El Cairo hasta la emblemática Torre de David, en Caracas.
Iwan Baan está considerado como uno de los fotógrafos más importantes de todo el mundo en la especialidad de fotografía arquitectónica.

Un enfoque innovador
La fotografía arquitectónica de Iwan Baan es muy reconocida a nivel internacional dado su enfoque innovador. “Su habilidad para narrar historias personales a través de los edificios añade una dimensión humana a la arquitectura, destacando la perspectiva de cómo las construcciones interactúan con su entorno y afectan a la vida de las personas, y viceversa”.
Según explica Iwan Baan: “Lo importante es contar. Y esto es algo muy intuitivo y fluido. No busco tanto imágenes atemporales de una gran arquitectura como el momento específico, el lugar y las personas que se encuentran en él, todos los momentos imprevistos y no planificados que acontecen en un lugar y sus alrededores, cómo vive allí la gente y qué historias surgen de ello”.

Asistencia del artista a la presentación
En la presentación de la exposición, que ha tendido lugar hoy, 6 de junio de 2024, han participado la comisaria de la exposición y del Vitra Design Museum, Mea Hoffmann; su director, Mateo Kries; Roel Nieuwenkamp, embajador de los Países Bajos en España; el director de la Fundación ICO, Lucinio Muñoz; la directora de PhotoEspaña, María Santoyo; y el propio artista Iwan Baan.

Para más información: https://www.fundacionico.es/

Puccini, famoso compositor y fotógrafo

El músico italiano Giacomo Puccini no sólo era un gran compositor, también era un avezado fotógrafo. Coincidiendo con el centenario de su fallecimiento, el Teatro Real de Madrid, en el ámbito de PHotoEspaña, expone en su sede una muestra de la obra fotográfica del autor de Madame Butterfly

Obra inédita
Hasta el 22 de julio de 2024 se podrá ver, en el Teatro Real de Madrid (plaza de la Ópera, s/n), la exposición fotográfica “Puccini, fotógrafo”, que recoge parte de sus trabajos fotográficos, los cuales trascienden al de un mero aficionado y en el que se puede apreciar su pulsión artística.
Hasta ahora inédita, su obra fotográfica se pudo ver por primera vez en otoño pasado en su localidad natal de Lucca (Toscana), organizada por la Fundación Ragghianti, en colaboración con la Fundación Simonetta Puccini - Giacomo Puccini y el Centro de Estudios Giacomo Puccini. Los comisarios de ambas exposiciones son Gabriella Biagi Ravenni, Paolo Bolpagni y Patrizia Mavilla. Paolo Bolpagni (en la foto), que estuvo presente en la inauguración de la exposición en Madrid, glosó la labor fotográfica del compositor.
En España ha sido organizada por el Teatro Real, el Istituto italiano di cultura di Madrid, el grupo farmacéutico Tradichem y PHotoEspaña. Se trata de la primera vez que puede verse la obra fotográfica de Puccini fuera de Italia.

Interpretación de la obra fotográfica de Puccini
Las obras fotográficas de Puccini son originales panorámicos, captados con una cámara Kodak, que se han tenido que adaptar a los espacios disponibles en el teatro. Los reencuadres ha estado a cargo de Eduardo Nave, que ha hecho un trabajo magnífico a la hora de reinterpretar las imágenes.
En general, las fotos de Puccini se centran en la naturaleza. En sus encuadres, la figura humana va desde el protagonismo a ser un mero referente que transmite la idea del paisaje, imbuidas, desde luego, de un gran sentido poético.
Esta exposición fotográfica coincide con la representación de la ópera Madame Butterfly en el Teatro Real, la cual se vio por primera vez el 20 de noviembre de 1907, hace más de 106 años.

Para más información: https://www.teatroreal.es

“Desde Tokyo Blues hasta Gritos Sordos”, de Miguel Rio Branco, en el Centro Niemeyer

El Centro Niemeyer (Avenida del Zinc, s/n, Avilés, Asturias) exhibirá la muestra titulada “Desde Tokyo Blues hasta Gritos Sordos”, del fotógrafo brasileño Miguel Rio Branco (1946), desde el 28 de junio hasta el 3 de noviembre de 2024.

Un viaje al Japón
El origen de este proyecto se encuentra en un viaje de Rio Branco a Japón, cuyo arte admira mucho Miguel Rio Branco.
Las imágenes de la primera parte del proyecto provienen del trabajo realizado por Rio Branco en paralelo con el fotógrafo japonés Daido Moriyama (1938), que mantienen visiones fotográficas muy distintas. Mientras que uno es más cinematográfico, el otro resulta más simbólico, meditativo, pictórico.
Entre los trabajos expuestos podemos destacar “Tokyo Long Neck”, una obra de gran complejidad que ocupará 17 metros de la sala de exposición, y que para Rio Branco representa la síntesis de lo que sintió por Japón en aquel momento.
“Hago conexiones entre imágenes, ya representen ellas a personas, a objetos o a lugares; son construcciones con fotografías que pueden ser o no de un mismo lugar y tiempo. Se trata de crear un discurso con imágenes, con piezas atemporales donde lo documental no impera más que el documental, sino que existe lo simbólico, la poesía, la visión personal (…). Este espacio curvo del montaje lleva a nuevas lecturas que considero que tal vez sea más fluido. Son creados varios diálogos: vida y muerte, Occidente y Oriente, sol y sombra, nuevas tensiones, nuevos ritmos…, una danza barroca que nos lleva al Auditorio donde tal vez se esté interpretando un Réquiem de Mozart”, comenta Miguel Rio Branco.

Para más información: https://www.centroniemeyer.es/

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